R : Bonjour David ! Tu joues actuellement dans La vie parisienne d’Alain Sachs, comment es tu arrivé dans cette aventure ?

D A : J’y suis arrivé au dernier moment parce que j’étais sur différents projets et je pensais que je ne pourrais pas participer à cette réalisation  .On s’est rencontrés plus tard avec Alain et Patrice Peyriéras et ce dernier m’a dit que je correspondais à un personnage dont il m’avait tu le nom. Je faisais la création d’un spectacle à l’époque avec Les frères Toque . Ce sont trois personnages, trois clowns avec un univers onirique presque Fellinien inspiré pour la mise en scène de l'univers de  Buten. Cette pièce a été écrite par trois personnes et j’ai aussi participé à l’écriture.

R : Je sais que tu es un grand amoureux de Buster Keaton, Harold Lloyd ou Charlie Chaplin. Tu viens toi-même du monde circassien par ton père ?

D A : Il était forain et il est en retraite maintenant. C’est lui qui m’a donné les effluves du métier de la route, cette belle ouverture sur le monde, sur les autres, il m’a aussi appris les valeurs de la débrouillardise. Et pour cause, j’ai construit des marionnettes avant d’en faire mon premier métier.

R : Tu as aussi rencontré Philippe Genty avec qui Alain Sachs a travaillé ?

D A : Oui, j'étais à l'époque étudiant en théâtre et j’ ai pu assister aux répétitions de "Dérives" au Théâtre de Cherbourg où Philippe Genty était de passage. Une rencontre furtive mais marquante. C’est ce qui me rapproche aujourd'hui, c'est vrai, d'Alain Sachs qui a travaillé  avec lui pendant de nombreuses années.

R : Quelles sont les rencontres qui t’ont marqué et qui font que tu joues le baron Gondremark dans La vie parisienne?

D A : J'ai eu la chance aussi de rencontrer Annette Breuil, la directrice de la Scène Nationale du Théâtre de Cherbourg, qui pour arrondir mes fins de mois et continuer de payer mes études en théâtre, m'a proposé de m'intégrer à  son équipe. J'ai donc participé à toutes les tâches de l'entreprise culturelle passant de la billetterie à l'accueil des artistes. En échange, elle me laissait le plateau pour répéter mes scènes et monter mes spectacles. Grâce à elle, j’ai pu rencontré Howard Buten "le clown Buffo"et  aussi rencontré  Yolande Moreau avec qui j’ai parlé du travail de masque quand elle tournait avec "Sale affaire du sexe et du crime". J'ai partagé des moments inoubliables avec des artistes qui s'installaient en résidence pour leurs créations (Jacques Gamblin, Carolyn Carslon et d'autres) C'est aussi à ce moment que j'ai fait la rencontre Thierry Calonne qui est devenu mon premier metteur en scène. Je ne veux pas en oublier mais c’est surtout Annie Cordy qui m’a donné le virus et qui est ma marraine aussi : quand elle me dit qu’elle ne m’a rien donné du tout, je lui réponds : "du moins pas l’anti virus". Annie est quelqu’un qui est proche de moi. Elle est venue me voir dans "Cabaret" la comédie musicale aux Folies Bergères. Alors c'est vrai je suis content de voir l'évolution de ma carrière, on commence à me voir à droite à gauche, dans les médias mais effectivement Annie en dehors de mon père qui me le rappelle tout le temps, m’a appris la simplicité. Annie m’a donné à voir ce monde du spectacle déjà tout petit : cela me fascinait car à elle toute seule, elle dessinait tout un décor à mes yeux. Que ce soit pour les chansons de Bécaud, celles de Lemesle ou Level qui lui a écrit la Bonne du curé, elle t’emmène dans une scénographie, une dramaturgie, une histoire. Après, on aime ou on n’aime pas mais elle t’emmène quelque part. Mais pour moi, je suis sensible à ce qui existe. Alors que ce soit léger au niveau des textes parfois, qu'importe. Le talent c'est de savoir en faire quelque chose malgré tout. Et ça, ils ne sont pas nombreux à savoir le faire.

R : Qu’est ce que tous ces arts et artisanat de la scène t’apportent ?

D A : C’est très français de mettre des murs, des cloisons, de tolérer difficilement qu' un acteur puisse être danseur, et chanteur et en même temps metteur en scène et autre…Un artiste est quelqu’un qui pour moi est de nature vibratoire...à la base sa place est de dire tout haut ce que d'autres disent tout bas, ou n'osent pas dire du tout, faire avancer les choses. Donc il peut et doit ouvrir pleins de portes pour s'exprimer . Un acteur, par exemple, peut avoir besoin d'arrêter son métier d'acteur, et passer de l'autre côté pour apporter son regard sur telles ou telles choses par la mise en scène. Pour moi, il n'y a pas de règle! Un homme peut se mettre  à la peinture sans qu’il soit peintre ! Sans avoir même eu une quelconque formation. C’est bien d’avoir des envies.... de partager des émotions… Le parti pris d’Alain Sachs est justement de mettre en scène des artistes qui viennent tous d' univers différents. Je trouve extraordinaire cette aventure de La vie parisienne où je joue le baron de Gondremark quand je sais de quel univers je viens. C’est un baron qui fait le grand écart, fait le french cancan, joue des claquettes sur une table et pourtant je suis loin d'être Fred Astaire (personne ne le serait, d'ailleurs!)-je me suis remis aux claquettes récemment- mais j'avais envie de monter sur la table et de partir en délire! Je te raconte une anecdote à ce propos : il m’est arrivé de quitter l’univers de Beckett où je jouais "Catastrophes" pour me retrouver quelque temps à faire le clown au Club Med l'été! Je passe de l’un à l’autre, du cirque à Oscar Wilde, sans problème ou encore du Magicien d’Oz , il y a un an au Grand Rex à la Vie parisienne , aujourd'hui au théâtre Antoine.Le lieu même du Théâtre Libre crée par Antoine! Quand tu penses, que dans ce théâtre, les grands comme Jouvet, Camus, Sartre, Gemier (je suis dans sa loge!) et Maillan sont passés par là! Je me laisse guider sans trop d'états d'âme par mes envies. Donc, je suis contre le cloisonnement de l'art en général, sinon, il perd tout son sens et sa place.  

R : Parlons justement de « Corps étrangers «  de Wilde et du dédoublement ?

D A : C’est drôle que tu me parles de dédoublement car j’ai commencé ma carrière en tant que ventriloque...Eh oui, je suis ventriloque. J’ai énormément tourné . J'ai fait de nombreux cabarets, des petits , des grands c'est aussi pour ça que je dis toujours que je viens du music-hall...le vrai! d'où la débrouillardise!J'ai fait des Festivals, des croisières dans le monde entier, étalées sur une dizaine d'années. Là encore, j'ai rencontré des personnes formidables et passionnées. J'ai partagé la scène avec des comédiens, des magiciens, des contorsionnistes, des danseurs, des chanteurs (c'est comme cela que j’ai fait la connaissance de la chanteuse Mistigri qui me passionnait en me racontant Léo Ferré). J’ai créé beaucoup de personnages et je ne souhaitais pas entrer dans le monde télévisuel par ce biais malgré les propositions. J'ai toujours voulu  ajouter à ma ventriloquie une théâtralisation, la création perpétuel d’un personnage, et ce n'était pas les formats qu'on me demandait pour les passages tv, donc j'ai souvent décliné les propositions pour éviter justement d'être mis trop tôt dans un carcan!. Mais je n'ai jamais eu la sensation d'être en danger avec la schizophrénie ...ventriloque , ça peut être le risque (lol)!

Pour moi le dédoublement de la personnalité peut être intéressant au théâtre mais il faut savoir en sortir quand même!  S'oublier et s'effacer un peu! Comment se détacher d’un rôle quand on l’a joué longtemps; ça peut être difficile mais le dédoublement peut être aussi une manière de vouloir lire un personnage et se laisser faire. Que tu joues un Feydeau, un Wilde ou un Offenbach, cela peut passer par toi. A mon goût et pour ma part : ça doit. Tu es le domestique du personnage, tu utilises les mots du personnage, tu es invité à t’abandonner, donc à te perdre. Le personnage que j'ai incarné dans  « Corps étrangers » de Liza Guédy, imagine des choses autour de lui –j’étais dans un monologue pratiquement constant avec des phrases de Lewis Carol, de Wilde, de Burrough. Peut-être aucune logique compréhensible dans ce mélange, mais justement assez vertigineux pour se laisser emporter par le sens que seul le psychopathe que je jouais, comprenait. Chaque soir, il faut se sentir en danger quand tu entres en scène dans la peau d'un personnage. Il va te surprendre. S'il ne le fait pas , c'est qu'il y a résistance de ta part! J’aime me savoir en danger, je ne veux pas de confort dans aucun rôle...pas de ligne de jeu toute tracée. Le metteur en scène t’ ouvre un chemin, le sien, celui qu'il veut voir. Mais il n'appartient qu'à toi de marcher seul pour y entrer. Et même dans le rôle du baron de Gondremark, je n ai pas l'impression d'être le même tous les soirs, et ça me va. Quand tu joues 477 fois comme dans "Cabaret" aux Folies Bergères, tu ne dois jamais te dire : ça y est, c’est cool, je le connais le personnage!

R : Tu es un funambule alors ? L’as-tu déjà fait ?

D A : Non justement cela m’intéresserait comme faire du trapèze aussi mais bon...mes journées sont déjà bien remplies. Je m’aventurerais à tout parce que c’est la richesse d’une vie, non?.

R : Parlons du travail avec Alain Sachs. Comment s’est faite la rencontre avec tous ces  interprètes qui n’avaient pas vraiment travaillé ensemble ?

DA : C’est vrai mais on se connaissait par le milieu : qui ne connaissait pas Chance par exemple créée par Hervé ? Au sujet de Sarah, j’avais travaillé une fois avec elle sur un spectacle mis en scène par Frédéric Baptiste, j’avais vue Isabelle en scène au café Oscar mais le lyrique n’était pas mon secteur, je ne l'avais vu qu'une fois. J’avais apprécié "Les deux canards" ou "le Quatuor"et je connaissais le travail d'Alain.  Pour ma part j'ai été engagé par Alain quasiment 48h avant la première réunion avec toute la troupe. Il cherchait encore son baron. Alain nous a mis sur des routes de travail et il avait une vision bien précise de là où il voulait nous emmener. Mais il nous a dit : « Je suis ouvert comme tout metteur en scène à la proposition des comédiens ». Du coup on a réfléchi entre nous très vite  : on s’est tous complété. Je ne me dis pas pianiste comme Stéphane ou Isabelle...je joue du piano, c'est une nuance pour moi. Je suis incapable d'entrer dans une partition sans l’ avoir abordé avant. Alors que Stéphane, et encore plus Isabelle, le peuvent. Mais c'est un métier!! Noémie et d'autres, sont plus jeunes que nous tous et ont peu d’expérience de la scène. Disons que c'est leur première grande Expérience . Il arrive parfois qu'on me demande conseil sur telle chose du métier par exemple, ou sur la manière de jouer un personnage.  Alors, moi, je ne donne jamais de conseils, mais mon avis, oui, Nuance!  Comme me le dit Annie Cordy : je ne suis pas là pour te donner des conseils. Il faut faire ce que tu penses être bon pour ta carrière. Je dis à Noémie : «Si tu t'écoutes bien, tu ne te trahis jamais"

R : Le public applaudit le parti pris de la mise en scène et en même temps, il applaudit la performance des acteurs, votre complicité, votre écoute, votre sens théâtral.

DA : Oui ,on sent au début que le public est perplexe…

R : Avec ces cinq minutes de silence ?

DA :-il rit- C’est fort de commencer un opéra bouffe a capella après cinq minutes de silence. A la fin et on le voit dans les rappels, les gens sont heureux . On montre au public la construction d’un spectacle en Live ; Tout  se monte sous leurs yeux . Ils voient des acteurs qui passent une audition et qui se prennent au jeu.

R : Alain Sachs a voulu bâtir l’œuvre sous l’oeil du public ?

DA : Exactement comme pour une pâte à pain ! Ça gonfle… !

R : Et ça ne s’arrête jamais ! Ça n’est pas donné à tout le monde de garder ce rythme et de jouer aussi ce rôle pour toi par exemple ?

DA : Oui un journaliste m’a dit que je lui avais pensé à un clown contemporain.

R : Regardais tu petit « Histoire sans parole » ?

DA : Oui  …Mes deux acteurs fétiches sont Buster Keaton et Louis de Funès...Je me suis amusé souvent à regarder De Funès en enlevant le son et en mettant une musique des films muets. C'est étonnant!!

R : Ton clown n’est pas apparenté à une famille spécifique , un Auguste car on a trop souvent une vision du clown avec un nez , un masque mais pas assez liée à la remise en cause de cette complexité humaine que représente vraiment le clown.

DA : Tout à fait et j’ai une amie Anne Bourgeois qui travaille sur le clown . On parle souvent de ce personnage qui a été « poussiéré » si je puis dire... un peu comme l'a été pour l’opérette, malheureusement. Certaines personnes trop puristes –sans jugement de valeurs de ma part-n’ont d’ailleurs pas aimé La vie parisienne version Sachs.

R : Mais s’ils reviennent à l’histoire de cette œuvre au départ, c’était une troupe de comédiens  du Palais Royal avec une actrice lyrique dedans très amie avec Offenbach?

DA : Tout à fait. On dit qu’elle était sa maîtresse : son rôle était celui de  La gantière. La création de La vie parisienne s’est faite en 1866, aussi la même année de création que le Théâtre Antoine. Et Offenbach écrivait d abord pour des comédiens, il ne faut pas l'oublier.

R : La vie parisienne est alors une redécouverte de quelque chose pour toi?

DA : Oui, je ne suis pas quelqu’un de fermé et comme je disais tout à l'heure, je n’aime pas les cloisons. J'ai entendu dire parfois : "Le boulevard c'est nul....les pièces de Feydeau, ce n'est pas ça le théâtre". Comme je le disais, dès l'instant qu'il y a une situation, faut la jouer,point! Du moins faire une proposition. Ceux qui disent ça , sont souvent ceux qui ne ne sont que  dans le technique.... de bons techniciens mais de mauvais acteurs! Il faut essayer de pouvoir tout jouer! L’acteur est un artisan, il postillonne sur scène, il transpire comme le boulanger qui fait son pain.

R : D’ailleurs je t’ai vu postillonner sur ton partenaire !

DA : -Rires-

R : On a donné récemment la version de La vie parisienne faite par Laurent Pelly? L’as-tu vue et qu’en penses-tu ?

DA : Oui, je l’ai vue .C’est une grande production avec une distribution importante, des décors, un orchestre…La mise en scène est assez remarquable. J'ai bien aimé. Mais ce qui me gêne, c'est que le spectacle est resté très lyrique et je n'ai pas toujours compris les paroles, d’ailleurs cette version a été sous titrée...du moins pour les écrans! Aujourd'hui, je les comprends car je les ai lues!! Mais c'est dommage, car il y a une partie du spectacle (l'instant des chansons) où tu regardes le costumes et le jeu de l'actrice pour essayer de comprendre ce qu'elle veut faire passer puisque tu ne comprends pas les paroles! Et comme les chansons sont là pour faire avancer la dramaturgie, si on ne comprend pas le texte alors on finit par l’oublier !

R : Oui, d’autant que l’opéra bouffe fait partie des œuvres satyriques ?

DA : Oui et c’est pour cela que c’est important. Par exemple, au théâtre Antoine, le public n’applaudit pas les airs, tout à fait le contraire de ce qui se passe pour l’opérette. Aujourd'hui, hélas, tu vas voir une opérette plus pour les airs et les vocalises que pour l'histoire. …Mais dans cette version, le public dit bien qu’il comprend enfin l’histoire et il en est ravi.

R : J’ai lu quelques témoignages en effet et chacun vous remercie car il redécouvre finalement un univers théâtral très proche d’eux et moderne ?

DA : Oui. Une dame m'a dit l’ autre jour : "Monsieur,j'ai vu des quantités de versions de LA VIE PARISIENNE, et bien , c'est la première fois que je comprends le texte du French Cancan...feu partout, lâchez tout" . Rien à rajouter à cela, n'est-ce pas. Nous sommes là pour tout lâcher!!

R : Eh bien ce sera le mot de la fin !  Quelle est ton actualité ?

DA : Le Dvd du Magicien d’Oz est sorti pour les fêtes . C'est moi le Magicien dont on a fait les promos. C’est une version loin du film mais c’est une adaptation du roman sans la chanson « Over the rainbow ».C’est mis en scène par Stéphane Jarny,  l’acolyte de Kamel Ouali, le livret est  de François Chouquet et c’est produit par Dove Attia; ça s’est joué au Grand Rex devant 2000 personnes tous les jours et ça s’est arrêté en avril 2009.Dove a une vision du spectacle qui n’est pas celle de tous mais c’est à respecter car il y a un vrai public pour ce spectacle comme pour Le Roi soleil ou Mozart…

R : On va aussi parler de la pièce en création «  Je t’aime tu es parfait, change !» que j’ai vue cet été dans le cadre du festival Diva où il y a beaucoup de pirouettes?

DA : C’est une œuvre anglo-saxonne extraite de la pièce « I love you, you’re perfect ,now change » .Elle a été jouée partout dans le monde sauf en France. Emmanuelle Rivière et Adrina Hopkins ont réussi à en avoir les droits pour l’exploiter en France et on fait une superbe adaptation. Avec Christophe Correia à la mise ne scène et pour la distribution : David Ban, Emmanuelle Rivière, Ariane Pirié et moi-même. Après Le petit Théâtre St Martin cet été et la Pépinière en septembre dernier, une production s’est présentée : elle veut le projet et on part donc au Festival d Avignon cet été. Nous jouerons au Théâtre Du Chien qui Fume. Après, cela doit revenir à Paris en janvier 2011. On rêve souvent sa vie et là, depuis "CABARET", j'ai vraiment l'impression de vivre mon rêve. Je passe de beaux projets en beaux projets. Je suis heureux et je profite car...

R : Nous on vit le nôtre avec La vie parisienne : c’est populaire et enlevé et j’ai en face de moi un saltimbanque de la scène qui a beaucoup à offrir.

 Merci David pour cet entretien.  

Propos recueillis par Safia Bouadan       

La vie parisienne

© Fabrice Vallon

Regarts : Bonjour Michel. Tu es actuellement à l’affiche de Ladies Night dans le rôle de Bernie, le boss. Comment en es-tu venu à jouer dans cette pièce?

Michel : J’avais vu « Ladies Night » l’année dernière, le public délirait totalement. À la sortie, j’ai parlé avec Guylaine Laliberté (le metteur en scène) qui avait très envie que je joue le rôle de Bernie pour la reprise. Cela faisait longtemps que je n’avais pas joué de vraie comédie. Bernie est un personnage qui revient en pointillé et je ne voulais par d’un rôle trop important. J’aime bien le théâtre Essaïon, ce n’était que deux jours par semaine. Bref, tout était réuni pour que j’accepte ! De plus, je connais depuis mon adolescence Jacques Collard (co-auteur de la pièce avec Stephen Sinclair et Anthony Mac Carten) et je suis ravi de faire partie de sa pièce.

R : En quoi ce rôle de Bernie pourrait-il te ressembler ?

M : Il me ressemble car il est râleur, grognon, grincheux. Je pense que si on ne râle plus dans la vie, c’est un peu comme si on était mort. Mais Bernie est aussi un gentil et là il me ressemble encore plus ! -rires- Il protège son petit clan, ses copains chômeurs, mais passe son temps à les engueuler. Cela fait partie de sa personnalité et de la mienne.

R : Tu as en effet une grande personnalité  mais tu es aussi un acteur d’envergure car tu as joué dans « Les nuits fauves » de Cyril Collard qui a eu le César du meilleur film en 1992. Peu savent que tu as aussi joué au Met de New York et au philharmonique de Berlin dirigé par Kurt Mazur ?

M : Oui, cela restera mon plus beau souvenir de scène. C’était « Jeanne d’Arc au bûcher » de Paul Claudel, sur une musique d’Arthur Honneger avec Marthe Keller... un moment magique que je n’oublierai jamais.

R : Que penses-tu de tes complices actuels sur la scène ?

M : C’est l’une des raisons qui a fait que j’ai accepté avec joie ce rôle : ils sont tous formidables. Chacun a sa personnalité et ça donne une équipe géniale ! Je connaissais déjà Michel Laliberté, qui joue le rôle de Manu et qui est le directeur de l’Essaïon.

R : Toi aussi, tu as été directeur de l’Aktéon Théâtre ?

M : Oui.  Michel et Guilaine Laliberté me l’ont acheté (avec 3 associés) il y a quelques années, puis ils se sont agrandis avec le théâtre Essaïon. Ce sont des canadiens très sympas qui savent allier le plaisir du théâtre - car ils produisent des pièces - et la gestion d’un lieu.

R : Parmi tous les personnages que tu as pu interpréter au théâtre, au cinéma ou à la télévision, en as-tu un particulièrement qui t’a marqué et pour quel raison? Le « De profundis » d’Oscar Wilde par exemple?

M : C’était un projet personnel qui me tenait à cœur. Je voulais partager ce texte superbe avec le public de la manière la plus simple possible. J’ai fait une adaptation depuis l’original, l’ai traduite et jouée en lecture spectacle afin de ne pas  être dans la performance d’acteur mais plutôt dans le rôle d’un passeur. Ça a duré huit mois et j’ai eu des retours du public très touchants dont une dame qui est venue me voir pour me dire que je l’avais rapprochée de Dieu à travers cette pièce ! J’ai eu des témoignages superbes… Côté cinéma, Eric Rohmer m’a fait un très beau cadeau en me proposant le rôle de Maxence dans « Contes D’hiver » qui m’a permis entre autre d’aller au Festival de Berlin où nous avons obtenu le Prix de la Critique Internationale. Le dernier film auquel j’ai participé aux côtés de Clive Owen « L’Enquête » de Tom Tikwer a fait l’ouverture du Festival de Berlin cette année ! Je n’ai que de beaux souvenirs avec cette ville que j’aime beaucoup.

R : Parle-nous de ton parcours ?

M : Ma première scène fut l’Opéra de Nice avec un spectacle sur Jules Verne. Après un séjour aux États-Unis où le hasard m’a fait participer à un film d’Andy Warhol,  je suis venu à Paris au Cours Florent et j’ai très vite fait du théâtre. C’était la grande époque des Cafés Théâtres.  J’ai joué Jean Anouilh, Victor Hugo, Jean Cocteau, Jean Giraudoux, Israël Horowitz… et aussi de jeunes auteurs, j’ai écrit, mis en scène, joué dans des comédies musicales comme « Let My People Come ! » à l’Olympia ! Côté cinéma, mon premier rôle au cinéma fut aux côtés de Lambert Wilson et Anny Duperey dans « De l’enfer à la victoire » de Hank Milestone, puis il y eu une comédie totalement déjantée de Michel Caputo avec Bernadette Laffont, Michel Galabru, Bernard Haller… « Arrête de ramer t’attaques la falaise »… toute une histoire ! D’autres films et télévisions s’ensuivirent tout en continuant le théâtre… mais, l’éternel insatisfait que je suis décida sur un coup de tête de repartir aux Etats Unis pour travailler un an à l’Actor’s Studio… On m’a demandé de participer à une comédie musicale dans laquelle ils avaient besoin d’un français et je suis resté dix ans entre Los Angeles et New York à faire l’acteur autant sur scène que sur le petit et le grand écran !

R : Un destin comme on dit ?

M : Sûrement puisque quoi que je fasse, où que j’aille, je me retrouve toujours à faire mon métier d’acteur ! J’appelle ça ma bonne étoile.

R : Tu aimes ce métier donc ce métier t’aime ?

M : Oui, c’est vrai même si le métier a beaucoup changé, je suis toujours là et j’en redemande encore ! -rires-

R : Tu parlais de professeurs qui t’ont propulsé ? As-tu eu des personnes parmi eux qui t’ont poussé ?

M : Oui et non. J’étais à l’armée à Fréjus et je m’échappais le week-end à Saint Tropez où j’ai rencontré François Florent qui donnait des stages d’été avec Robert Hossein. C’était en 1972 et François m’a proposé de suivre ses cours à Paris gratuitement en échange de quelques aides techniques. J’ai donc travaillé un an avec lui rue Rodier, mais très vite, je suis monté sur scène (pour moi, c’est la meilleure école) et ça ne lui plaisait pas beaucoup.  Donc je suis parti en continuant le théâtre et en travaillant parallèlement pendant plusieurs années avec Andréas Voutsinas.

R : Tu disais que le métier avait beaucoup changé? Est-ce lié au fait que dans les écoles, les acteurs ne travaillent plus de la même manière ?

M : C’est plutôt que la mentalité des gens a changé. Tout va trop vite maintenant, il faut être célèbre avant d’apprendre ! Avec la peopolisation due à certaines émissions de télévision, on croit que tout est facile et se fait en claquant des doigts. Heureusement, il y a toujours des professeurs qui véhiculent les valeurs de l’acteur avant celles de la célébrité ! À l’époque à laquelle on vit, je peux comprendre,  mais ce n’est plus le métier que j’ai choisi.

R : En quel sens ?

M : Disons que je suis un éternel idéaliste et un grand gamin. J’ai choisi ce métier pour m’amuser toute ma vie! Avoir du plaisir en travaillant ! Maintenant, pour garder le plaisir intact, comme j’ai eu la chance de bien rouler ma bosse, je fais des choix. C’est un luxe mais je me l’autorise. Sinon, ça a beaucoup évolué : les conditions ne sont plus les mêmes, les tournages sont trop rapides, la qualité du travail est négligée, les salaires ont énormément baissé… On est beaucoup trop nombreux dans ce métier. Autant, je n’ai rien contre la Star Academy et autres émissions du genre, mais cela apporte pléthore de gens qui n‘ont rien à faire dans ce métier et qui grâce à la téléréalité se retrouvent propulsés dans un vedettariat de paillettes. Dès qu’une personne est connue par ce biais, on la retrouve dans des téléfilms et au théâtre… Pendant ce temps la, de vrais comédiens se débattent avec les assedic !

R : Mais il existe quelques exceptions comme Aurélie Konaté par exemple ?

M : Bien sur ! Certains artistes se servent de ces médias pour essayer de se faire connaître et ils ont raison. Je dis à tous les jeunes : « Si vous avez le courage d’aller là dedans, faites de la téléréalité mais soyez suffisamment intelligents pour que ça vous serve à quelque chose de positif dans le métier ! »… Après, c’est une autre histoire.

R : Derrière le message léger de « Ladies Night » se cachent des messages plus durs tels que le fléau du chômage. Comment le perçois-tu, comment les jeunes réagissent-ils et comment toi, l’aurais-tu perçu à ton époque ?

M : Il est sûr qu’à mon époque, c’était plus facile de trouver du travail que maintenant. Mais les médias n’aident pas en ressassant sans cesse la crise, le chômage, la grippe H1N1... Je trouve cela très négatif. La France a fait d’une partie de ses citoyens des assistés. Les aides de l’État sont une bonne chose, à condition qu’elles ne dissuadent pas de travailler. Il y a trop de gens qui profitent du système, ça le rend négatif.  En France, il y a un problème avec la richesse, mais sans argent, comment aider ceux qui n’ont pas les moyens de manger, de se loger ? L’argent restera toujours le nerf de la guerre. Pour que les choses évoluent, il faut d’abord changer sa manière de penser, sortir de son petit « Moi » et aller vers les autres, communiquer et essayer de comprendre sans demander à l’État de tout résoudre. C’est à nous de bouger sinon ça ne marchera pas. Quand j’étais étudiant, mes amis me disaient toujours : « Mais comment fais-tu pour sortir, aller en boîte, au cinéma? »… C’était simple, je travaillais !  Quand  je leur proposais de leur trouver du travail, les réponses étaient les mêmes : « Oh je n’ai pas envie de faire tel ou tel job, de gagner si peu d’argent… ». C’est qu’il ne voulait pas travailler en fait. Je viens d’une famille où il y avait peu d’argent. Ma mère était vendeuse, et mon père inexistant. Je suis parti à dix huit ans pour être libre et quand ma mère m’envoyait des chèques pour m’aider, je ne les encaissais pas, je gagnais ma vie en travaillant.

R : Merci Michel, c’est un beau message à donner à notre jeunesse actuelle un peu désespérée ?

M : Heureusement, il y a aussi une jeunesse qui se bat et qui travaille ! C’est comme avec le système des subventions. Ayant été directeur de théâtre à l’Aktéon, j’aurais beaucoup à dire là-dessus quand certains directeurs de théâtres subventionnés me répondaient: «  Vous savez, si on ne perd pas d’argent l’année prochaine on aura moins de subventions… ». Mais le but est lequel ? Celui de pomper les subventions ou d’avoir des subventions qui vous aident à faire marcher votre théâtre afin de ne plus avoir besoin d’en demander ? Et là, on peut en aider d’autres.

R : « Ladies Night » fait passer justement un message de solidarité et d’amitié. Bernie est le patron du bar, le témoin des relations entre ces hommes. Il est l’axe central de cette solidarité, le critique aussi et il relance la machine quand cela menace de tourner à la crise entre les copains ?

M : Oui. Dans la pièce, il y a cet univers de copains qui se réunissent dans son bar, font les idiots et picolent un peu. Le langage est cru mais parallèlement, on ressent les effets de la crise lorsqu’ils racontent les difficultés dans leur vie, leur ménage… Ils ont tous un peu vieilli avant l’âge à cause de leur travail.

R : On parle en effet du métier de mineur de père en fils ?

M : Absolument ! On  évoque ces métiers très durs où les gens gagnaient très mal leur vie. Les régions du Nord de la France on le sait sont très touchées par le chômage. On est dans les années 80, la grande époque des Chippendales et tous se disent « Pourquoi pas nous » ! Ce sont des gens qui sont prêts à tout pour s’en sortir. Bernie est fier de pouvoir les aider.

R : Ils créent un projet ensemble, avec des valeurs communes qui les confrontent aussi à eux-mêmes.

M : D’autant plus qu’ils vont devoir se mettre à nu physiquement bien sur, mais surtout psychologiquement ! Je crois que c’est une excellente thérapie !

R : C’est aussi un petit clin d’oeil fait sur la société des apparences et du bodybuilding, lié au rôle de cette femme coach, Glenda parfaitement faite, qui les entraîne à bouger leur corps et à savoir danser ?

M : C’est un tout petit clin d’œil car la pièce est plus axée sur le social, le chômage, sur le fait de retrouver confiance en soi. Évidemment,  le fait qu’ils réussissent à aller jusqu’au bout, qu’ils deviennent les premiers « Ch’tispendales » comme je les appelle -rires-  cela leur permet de se libérer de leurs problèmes et de retrouver une certaine liberté et une fierté.

R : Ce qui est très bien dans cette pièce, c’est la distribution. Ces personnages ne se ressemblent pas mais ils ont tous un point commun, une forme de désespérance, d’enfantillage… ?

M : Oui, ce sont de grands gamins. Je crois que si l’on garde toujours une parcelle d’enfance en soi, on s’en sortira toujours. Je crois au Père Noel !

R : Même s’il n’existe pas ?

M : Mais si, il existe!

R : Non, chers lecteurs, il n’existe pas !

M : Si! La preuve, je suis là devant toi ! -rires-

R : Ah oui c’est vrai, j’oubliais pardon !... -rires- Peux tu nous parler des tes partenaires ? Comment s’est faite cette rencontre ?

M : Pendant les répétitions tout simplement. La force de Guylaine est d’avoir trouvé huit personnes qui ont tous une très forte personnalité et qui se sont adaptés à leur personnage. Laurent Mentec le poids lourd de l’équipe que j’appelle « Gégé… latine »  il vient du one man et il a un comique  naturel… Marc Diabira,(ou Alain Azerot) les beaux gosses, Sacha Patronjevic le perturbateur, Franck Partaud le timide, Pascal Aubert le sex symbol macho, Michel Laliberté l’initiateur du projet, Marielle Lieber-Claire la prof de danse, ancienne amie de Bernie. Tous sont excellents et c’est un vrai plaisir de partager la scène avec eux.

R : Parle-nous maintenant de ton actualité?

M :  « Ladies Night » Of course! Cet été, j’ai tourné dans un film de Jean-Michel Verner « Même pas mort », avec Gérard Darmon. J’ai aussi participé au court métrage d’un jeune réalisateur qui s’appelle Cédrick Spinassou, ainsi qu’au premier film de Guillaume Martinez (primé à Berlin pour son premier court métrage) « Eva Nova » avec Edith Scob. Il y a également « L’enquête» de Tom  Tykwer qui vient de sortir en DVD. J’y suis Viktor Hass, un ancien collaborateur et ami de Clive Owen.  À venir, deux projets théâtre : « Le messager et la ballerine » (d’après la vie de Margot Fonteyn) de Herman Van Veen qui sera créé à Amsterdam en juin 2010 et « Forget Hollywood » de Miro Gavran  au festival de Bratislava en septembre 2010. En espérant les jouer à Paris…

R : Merci Michel. Quel serait ton vœu pour les dix prochaines années ?

M : Qu’il n’y ait plus de guerre. Et que les gens soient un peu plus généreux dans le vrai sens du terme.  Arrêtons de demander de l’aide, soyons notre propre force d’action. Si nous ne bougeons pas, personne ne le fera pour nous. Essayons d’être heureux nous même et partageons avec nos proches… si chacun faisait cela, chaque cercle grandirait et tous ces petits cercles deviendraient un grand cercle.

R : Les communautés se sont construites avec ces réseaux de solidarités, de corporations de métiers. Il faudrait peut être y revenir selon toi ?

M : Absolument ! Le compagnonnage avait du bon ! On peut toujours rêver…

R : Merci Michel. Pour rappel, Ladies Night est à l’affiche jusqu’à fin mars et  pour les fêtes ?

M : Oui, tous les vendredis et samedis à 21h30. Si vous voulez réveillonner avec nous, le 31 décembre il y aura deux représentations à 19h00 et 21h30 avec champagne, cotillons et petits fours. On va faire la fête ce soir là. Sur billetreduc, les critiques sont excellentes à part une, mais celui ci a dû se tromper de pièce !

R : C’est moi !

M : Merci Safia. C’est une pièce pour les femmes pas pour les enfants !

R : J’en ai vu pourtant dans la salle ?

M : Tout dépend de l’éducation que les parents leur donnent. Je préfèrerai les emmener à « Ladies Night » que les voir collés à un écran devant certains jeux vidéo qui prônent la violence et la guerre !  Donc venez tous vous amuser avec nous !

R : Oui. Merci encore Michel pour cette interview. Rappelons que « Ladies Night » est à l’affiche au Théâtre de l’Essaïon pour notre plaisir à tous pendant les fêtes. Cette pièce des plus sympathiques se prolongera aussi jusqu’à fin mars 2010.

Propos recueillis par Safia Bouadan

Voir article « Ladies Night »

Site :http://www.essaion-theatre.com/

INTERVIEW réalisée au Théâtre Antoine le 16 décembre

R : Bonjour Alain Sachs. Merci de nous accorder cette interview. Pouvez-vous nous parler en premier lieu de votre dernière création ? Pourquoi Offenbach et pourquoi cette œuvre « La vie parisienne » ?

A : J’aime quand il y a du monde sur scène avec de grosses équipes. Alors c’est comme ça que j’ai monté l’année dernière « Les deux canards » de Tristan Bernard au Théâtre Antoine  avec Isabelle Nanty, « Madame Sans-gêne » de Victorien Sardou avec Clémentine Célarié, « La Locandiera » de Carlo Goldoni avec Cristiana Reali toujours dans ce même théâtre, « Le Bourgeois Gentilhomme »  avec Jean Marie Bigard au Théâtre de Paris…J’aime les grands et beaux projets… J’alterne la création contemporaine avec des créations de répertoire. Maintenant, je n’aurais jamais pu imaginer monter du Offenbach car cela nécessite beaucoup de monde en comédiens, en musiciens, en danseurs, en chanteurs .C’est parce que c’était impossible que j’ai voulu trouver le moyen de le faire et de remettre Offenbach dans les théâtres parisiens car il a toujours été conçu pour jouer dans les théâtres avec des comédiens et non pas des chanteurs. J’ai eu l’idée de voir s’il n’existait pas en France des artistes comédiens, chanteurs, danseurs et musiciens. J’ai commencé par faire cette recherche et quand j’ai su qu’il en existait, je me suis dit que c’était possible de le faire à treize acteurs là où d’habitude, on en a quarante !

R : Dans cette version originale et vivifiante que vous proposez, il n’y a pas d’orchestre, ni de chanteurs lyriques. Comme vous le disiez, en 1866, Offenbach  a pris la troupe du Palais Royal qui était en majorité des vaudevilliens. Même si Labiche était contre car il avait l’impression qu’on mangeait un petit peu son répertoire et surtout qu’on grignotait son public, il a reconnu que c’était une très bonne pièce. Vous, vous remettez cela à l’honneur-comme Jean Louis Barrault l’avait fait aussi- c'est-à-dire redonner du sens au livret, à la théâtralisation de cette œuvre lyrique. Les grands complices d’Offenbach, Halévy et Meilhac écrivaient beaucoup sur la parodie et sur le satyrisme qui n’est pas lyrique au départ mais qui est un genre comique à part entière .

A : Tout à fait. Beaucoup de personnes viennent et connaissent parfaitement l’œuvre .Elles me disent qu’elles ne savaient même pas que ça racontait tout ça…Il existe déjà un premier contre sens car quand les gens la voient à l’opéra, c’est avec plein de chanteurs et de danseurs. Ils gardent seulement l’idée qu’on connaît, le grand et le vrai Paris. Mais la pièce ne traite pas du tout de ce sujet là ! Ce n’est pas du tout ça ! Cela parle d’une arnaque totale : c’est un baron qui est trimbalé de fausses fêtes en fausses fêtes…Là, les comédiens portent vraiment l’histoire.

R : Comment avez-vous choisi votre distribution ?

A : On a procédé par étape : on a commencé par chercher des gens qui soient chanteurs et musiciens : on voulait que ça chante avec un vrai niveau mais on a demandé cela à une population de comédiens, pas de chanteurs. Après, on leur a demandé leur niveau d’instrument. Les gens qui appelaient et qui me disaient qu’ils n’avaient que cinq ans d’expérience de violon par exemple, je leur répondais que ce n’était pas la peine de venir car ils allaient être le seul violon de la troupe. « Je leur confiais : «Si vous n’avez pas dix, quinze ans de violon, laissez tomber! ». Quand on eut fini cette première sélection, je les ai distribués en fonction de leur qualité d’acteurs.  J’ai eu la chance d’avoir un baron qui ressemble à un baron, une baronne qui ressemble à une baronne. C’était magique et là, je les ai auditionnés comme acteurs. Il se trouve-et ça c’est un miracle- que ces artistes s’intéressent à tout et dans leur parcours, ils étaient fatalement passés par la danse .On ne le savait pas et on a demandé un niveau de danse assez haut, notamment pour Noémie Delavennat, la plus jeune qui a vingt ans et qui me demande un soir : « Est ce que je peux garder mon boulot d’un soir, je suis danseuse de french Cancan »! C’est fou, on a eu une chance incroyable. En plus, ils sont évidemment très travailleurs et très sympathiques. Ils sont très disciplinés : on en est à la quinzième et on vient de travailler encore deux heures ce soir jusqu’à 19h30 .On fait ça tous les soirs, pour améliorer encore : ce soir, c’était la musique, demain, ce sera la danse.

R : Oui, ce qu’il faut  savoir, c’est que le livret est respecté de la première à la dernière note et du premier mot au dernier ?

A : Exactement, il n’y a pas un seul mot de rajouté.

R : J’ai aussi remarqué une petite chose dans « Le Quatuor » récemment, vous aimez bien prendre l’instrumentiste comme acteur et vice-versa, ce que l’on retrouve aussi dans « La vie parisienne »? Tout d’abord, vous-même avez-vous « touché de l’instrument »-car Offenbach était un violoncelliste assez virtuose aussi ?-

A : Pas du tout. Je ne lis pas de la musique, ni ne la  joue… Et je chante faux !-rires-

R : Et pourtant, vous êtes réputés pour porter magistralement la musique au théâtre, cela a même été une des critiques de la presse nationale ?

A : C’est l’amateur: j’aime ça, cela me met en joie. J’adore la musique, j’adore le music hall, j’adore la danse mais je le fais avec l’innocence du candide. J’ai bien sûr le sens de la musique puisque j’interviens précisément sur des arrangements, des orchestrations.

R : Donc, vous avez pris en collaboration musicale et vocale Patrice Peyriéras ?

A : Bien sûr et il a fait un travail de fou car il a fallu refaire toutes les orchestrations et tous les arrangements. On travaillait jour et nuit parce que  je lui disais pour tel air, un tel un tel un tel vont chanter donc tu n’as de disponible qu’un violon, une trompette…

R : C’est assez extraordinaire… !

A : Oui. Il faut voir le spectacle deux fois et je crois que c’est ce que vous allez faire ce soir. Alors amusez-vous à comprendre ce qui se passe au niveau du passage des instruments : sur les treize, huit sont pianistes. Mais les gens ne le voient même pas la première fois. Il n’y a pas de chef d’orchestre. Ils se dirigent eux-mêmes, on ne sait pas comment les airs partent et pourtant il y a bien quelqu’un qui les lance. C’est amusant de venir revoir le spectacle pour refaire le trajet des instruments de musique : l’acteur dépose la trompette à un moment puis il la reprend pour faire trois notes…Ils sont tous les treize sur scène en permanence et c’est très difficile car c’est un parcours de combattants.

R : C’est complexe aussi car cela fait penser à onze personnages en quête d’auteur…c’est du Pirandello ? En tout cas, c’est comme cela qu’on peut le percevoir au début : on peut être déstabilisé quand on ne connait pas ce théâtre et quand on s’attend à l’adaptation classique de l’opéra-bouffe. Alors pourquoi cette référence réelle à Pirandello ?

A :Vous avez raison, c’est une vraie référence. C’est parce que je voulais vraiment accentuer le fait que je l’ai fait dans un théâtre car c’est un spectacle de théâtre. Comme les gens viennent voir « La vie parisienne » avec pleins d’idées dans la tête de ce qu’ils ont vu , entendu, …Des idées qui sont toujours forcément du côté du traitement musical et du lyrique, je voulais les déstabiliser tous, en leur disant : « De toute façon, ce ne sera à aucun moment comme tout ce que vous pouvez imaginer car on sera au théâtre. Cela commence par cinq minutes de silence –et c’est ça qui est drôle-…C’est aussi pour mettre les gens à un niveau d’écoute où chaque évènement va prendre son importance. Dans le premier acte, je m’évertue à ce que chaque instrument apparaisse l’un derrière l’autre. Tout ça forme un évènement et en plus, ce sont des jeunes qui entrent en scène et on découvre leur innocence devant une œuvre puisqu’ils sont censés passer une audition ou être en répétition -l’histoire ne le dit pas- Ils vont découvrir « La vie parisienne »pour la première fois. D’ailleurs, c’était la réalité : quand j’ai fait les auditions, je n’ai pas dit que c’était pour « La vie parisienne ». C’était un secret d’état.

R : Oui, il me semble que c’est le huit octobre que vous leur avez révélé le nom de l’œuvre.

A : Tout à fait le huit ! Donc, je leur ai tout expliqué : beaucoup d’artistes ne la connaissaient pas !...Il se passe sur scène quelque chose de très proche de la réalité. Certains l’ont découverte et c’est cette candeur qui est un des aspects enthousiasmants du spectacle.

R : Vous avez-vous-même été marionnettiste pour Philippe Genty et on voit ça et là, des clins d’œil au répertoire que vous avez joué. Je me permettrais de dire qu’on a même une référence à la mécanique du rire à un moment avec ce jeu de porte, d’entrée et de sortie : on retrouve vraiment le dix neuvième par la référence au Feydeau, au Labiche. Le livret de Meilhac et Halévy est aussi respecté mais on retrouve votre goût pour le music hall, et notamment aussi pour le burlesque, représenté par les numéros de David Alexis qui vient de cet univers là. Est ce vraiment toute cette ambiance  que vous avez voulue rendre ici pour que le public trouve la pièce plus populaire, qu’elle lui soit plus accessible ?

A : Non, en fait, j’ai revu un soir sur Arte un reportage sur la compagnie Renaud- Barrault et grâce à cela, je me suis souvenu que ce dernier remettait au répertoire «  La vie parisienne » dès que les caisses étaient vides. C’était il y a cinquante ans environ au Palais Royal, en 1958.

Il faut dire que cette œuvre est faite pour ça .On n’est pas en train  de présenter une version nouvelle et innovante : on remet Offenbach  là où il a été conçu. Il disait : « Je préfère des acteurs qui chantent mal que des chanteurs qui ne savent pas jouer ». J’ai appris hier que quelqu’un a des enregistrements en rouleau de cire de « La vie parisienne ». C’étaient des chanteurs de caf’conf qui chantaient. Offenbach n’a jamais imaginé un jour autre chose. C’était des amuseurs, ce n’était pas du tout des voix lyriques. Malheureusement, après cela n’a plus pu être joué dans les théâtres. Maintenant qu’il existe la contrainte des charges sociales, dans un théâtre subventionné, on peut avoir plus de monde mais dans un théâtre privé... J’ai eu jusqu’à vingt personnes sur « Le bourgeois gentilhomme », on ne peut pas aller au-delà. C’est entre douze et quinze artistes pour les très grosses distributions. Donc Offenbach serait tombé dans l’oubli si les opéras ne s’étaient pas emparés de lui mais des tas de ses contemporains n’ont pas eu cette chance. J’ai monté « Le Sire de Vergy » sur une musique de Claude Terrasse, aux Bouffes Parisiens en 2000 :c’est sensationnel, c’est largement aussi beau qu’Offenbach mais comme cela n’a pas été repris par les Maisons d’opéra, c’est tombé dans l’oubli .France Musique m’a dit que c’était une idée extraordinaire de faire ça ! C’est comme Hervé. Cela m’amuserait tellement de les sortir car ce sont des gens tellement spirituels, intelligents et joyeux qui écrivaient pour les acteurs.

R : Et qui savaient dénoncer aussi une certaine catégorie de la société qui s’encanaillait alors qu’elle avait des codes très rigides, sur ce qu’était le bon savoir vivre, le bon savoir faire et le bon comportement. C’est ce qui est intéressant aussi ?

A : Oui, bien sûr, les gens prennent cet opéra-bouffe comme une référence à un paradis perdu, au gai Paris mais en vrai, c’est une parodie, une satire totale d’une société dont Offenbach, Meilhac et Halévy se fichent.

R : C’est vrai et je pense qu’Offenbach a décidé de créer le genre opéra-bouffe au Bouffes Parisiens pour avoir une certaine indépendance aussi avec ses des deux complices en écriture Meilhac/ Halévy qui allaient dans des soirées champagne dont ils s’inspiraient dans leurs œuvres pour dénoncer les travers de cette société.

A : Oui, c’est bien cela. Tout à fait.

R. Ce qui est bien, c’est que cette version que vous avez faite reste populaire et accessible à tous. En Italie, les genres opéra, opéra comique et surtout opéra bouffe ne sont pas cloisonnés que ce soit au niveau des prix ou du style, le « bouffo » ou l’opéra. Ce n’est pas le cas en France. Comment expliquez-vous cela ?

A : C’est parce que les français sont devenus extrêmement cartésiens. A la fin du dix neuvième, il n’y avait pas cette scission entre les intellectuels et les amuseurs. D’ailleurs tous les amuseurs étaient de grands intellectuels : ces gens là étaient extrêmement cultivés. Quand Offenbach fait la Belle Hélène, il va s’amuser autour du thème de la tragédie grecque. C’était des intellectuels déconneurs mais maintenant cela n’existe plus. On est soit du côté des amuseurs, soit de celui des intellectuels. Les amuseurs n’ont en général pas le mépris de ces derniers car souvent ils le sont tous.

R : Le bon mot, le bon trait d’esprit proviennent pourtant d’une grande spiritualité et de l’intellectuel ?

A : Absolument. Des artistes comme Michel Leeb sont des professeurs de philosophie au départ. Même Boris Vian était un scientifique.

R : C’était un ingénieur issu de l’Ecole Centrale et beaucoup d’autres encore venaient de grandes écoles ou d’études philosophiques.

A : C’est vrai pour la plupart….Quand le subventionné a été créé au début, les gens avaient le sens du populaire,  Planchon, Maréchal, Vilar :il n’y avait pas cette scission entre le grave et le sérieux et progressivement, on ne sait pas pourquoi, le public est devenu quelque chose qui serait l’apanage des gens qui auraient une pensée sérieuse et grave sur les choses .Encore que c’est en train de changer car on monte du Feydeau à tour de bras faute d’identifier de nouveaux auteurs. Même les Feydeau, Labiche  ces grands amuseurs étaient de grands intellectuels, des académiciens, des gens qui écrivaient, des journalistes. C’était des grands intellos mais des intellos déconneurs.

R : Ils avaient le sens de la dérision, il faut savoir aussi rire de soi ?

A : Et cela, c’est une chose qui s’est perdue.

R : Oui , mais aussi, j’ai remarqué  en lisant les critiques par ailleurs très bonnes du public, que ce dernier faisait un amalgame entre l’opérette et l’opéra bouffe qui est très particulier : on parle justement des amuseurs, du « bouffe », du « bouffo » et le bouffon était en charge de dénoncer d’une façon satyrique et drôle des évènements politiques, économiques, sociaux, une façon de penser, un comportement alors que l’opérette peut recéler aussi un genre sérieux, même si c’est de la même famille. Or le public -et cela va peut-être aider de voir La vie parisienne-confond ?

A : Oui c’est vrai : ce sont des glissements qui à chaque fois revêtaient des réalités différentes. C’est difficile d’expliquer cela car ils se sont succédé dans l’histoire.

R :  La France avait besoin de trouver son genre ?

A : Il y a une chose que les français ont inventée : c’est Lully et Molière !

R : Et on est dans la comédie sociale et de mœurs en même temps que dans la spiritualité !…Merci beaucoup Alain Sachs pour ces échanges et pour ces informations. Je voulais vous demander en dernier lieu : quel serait votre vœu en tant qu’homme de théâtre pour les vingt prochaines années ?

A : Ce serait bien que des gens écrivent vraiment pour le théâtre car on a un vrai problème d’auteurs : ceux qui sont capables d’écrire des pièces et de les structurer sont partis à la télévision ou au cinéma. Ecrire une pièce en quatre actes, structurée, racontant une histoire. J’ai monté Les deux canards de Tristan Bernard l’année dernière et les gens ont adoré ça car c’est une pièce incroyablement construite avec un déroulement, des péripéties, des retournements, une vision de la société, du monde…En fait, il y en a très peu maintenant, même quand on pense à Jean Anouilh, vraiment les derniers grands auteurs remontent aux années cinquante comme Pirandello. Il reste des auteurs de théâtre mais ils écrivent pour le subventionné, des choses très intéressantes  mais qui ne sont pas structurées dans une dramaturgie classique d’évènements de théâtre. Plus personne ne sait le faire. Même des auteurs comme Yasmina Reza…crée plutôt des climats : ils font résonner le monde d’aujourd’hui. Il n’existe plus des grands raconteurs d’histoire au théâtre et ce serait bien qu’il y en ait car les gens adorent ça ! La vie parisienne raconte : c’est très simpliste mais les gens écoutent ça avec une attention qui me stupéfie car l’argument est vraiment léger dans cette œuvre mais les gens s’intéressent.

R : Parce que cela parle du mensonge, de la représentation : le jeu du mensonge, on est tous dedans. Ça dénonce le masque de la société que l’on porte tous. Il valait mieux prendre une histoire simple pour pouvoir en montrer les tiroirs complexes ?

A : Oui tout à fait…Imaginez un nouveau Goldoni, ou Pirandello…Cela serait extraordinaire !

R : Vous-même avez bien écrit si je puis dire : « Un amour de théâtre » ?

-Rire-

A : Oui, j’écrivais beaucoup à cette époque pour le théâtre.

R : Avec toujours cette passion du théâtre qui avec La vie parisienne remet au goût du jour aussi le populo, on vous en remercie beaucoup. «La vie parisienne» est à l’affiche et remporte l’adhésion pleine et entière du public depuis le 3 décembre et il s’annonce déjà une tournée ?

A : Oui, elle est d’ores et déjà prévue entre septembre et décembre prochain.

R : Et avez-vous un prochain projet que vous pourriez déjà nous confier ?

A : Je fais tout à fait autre chose :c’est une comédie anglo-saxonne à quatre personnages qui va être jouée au Théâtre des Variétés après Le Quatuor par des gens très populaires qui reviennent au théâtre et qui sont Corinne Touzet, Jean Luc Reichmann , Bernard Dhéran et une jeune fille qui se nomme Delphine Rivière. Cela s’appelle : « Personne n’est parfait » et ce sera à partir du 12 mars au Théâtre des Variétés donc.

R : Merci beaucoup Alain Sachs et à très bientôt !

Safia Bouadan

Voir l'article sur "La vie parisienne "

www.theatre-antoine.com

Interview de Felix Sabal Lecco, Khalil Maouene et d’Aurélie Konaté réalisé au Théâtre de la Reine Blanche le 14 novembre 2009.

Regarts : Bonjour Félix ! Tu es actuellement depuis le 18 septembre à l’affiche de Tismée , un spectacle musical qui parle du racisme et de la discrimination, avec Aurélie Konaté et Khalil Maouene. Hors, tu n’es pas forcément acteur de formation, comment cette aventure est venue à toi ?

Felix : Oui, l’aventure est venue à moi car j’ai connu Rubiah Matignon, notre metteuse en scène, sur un spectacle qui s’appelait » L’Archange » avec Antony Cavannagh où je joue un rôle de batteur.

R : Tu es batteur pour Prince, Sting, Manu Di bango … ?

F : Oui, c’est mon métier mais je ne suis jamais satisfait de moi. J’ai toujours l’impression que je débute et je suis toujours en quête de perfection .Mais du coup, cela m’aide à être plus ambitieux. –rires-. Puis j’ai voulu apprendre le métier de chanteur, grâce à Manu Di Bango d’ailleurs et d’abord timidement. J’ai remplacé le chanteur Bonga et j’ai travaillé sur la comédie musicale « Jo et Joséphine » mise en scène par Rubiah, avec un rôle de batteur mais j’avais aussi quelques répliques. Rubiah m’a proposé le personnage dans Tismée. Elle m’a dit que le rôle avait été écrit en pensant à moi, qu’on avait beaucoup écouté ce que je disais ...Alors je leur ai dit : « Bon on va  voir ! »

R : Bruno Fougnies est l’auteur du livret et justement, il existe une parfaite similitude avec les personnages que vous incarnez sur la scène et avec ce que vous êtes dans la vie Aurélie, Khalil et toi ?

F : Oui ! Je ne sais pas comment il a fait Bruno. Un jour, on rentrait de voyage, je conduisais et j’ai beaucoup parlé et Bruno s’est inspiré de cette façon que j’avais de raconter les évènements…A ce point que tout le monde me demande si c’est moi qui ait écrit ! J’ai juste écrit ma tirade amoureuse et philosophique …-Il déclame-

- rires-

R : On retrouve une certaine fidélité au livret : vous ne jouez pas, vous êtes. Ces trois personnages sont un reflet de l’Afrique avec ses contradictions, ses amours, ses espoirs et ils sont tous les trois, dans cette quête d’avoir leur place comme citoyens du monde. Qu’en penses-tu ?

F : Je suis comme un chauffeur qui conduit ce message et je suis juste un petit support sur lequel se base une pensée d’une certaine communauté. Avant qu’on me présente cette pièce, je n’y pensais pas vraiment, mais depuis que j’ai commencé à lire ces textes,  je me suis impliqué vraiment d’une autre manière. C’est étrange car je suis africain et j’ai subi le racisme en France mais moins qu’aux Etats Unis ou dans d’autres pays comme l’Angleterre, l’Italie ou en Allemagne…Je parle sur scène maintenant du racisme, du métissage alors que dans les conversations, je ne l’évoquais jamais !

R : Ce spectacle Tismée est un moyen pour toi d’évacuer ce problème que tu as rencontré, de répondre à ce questionnement : « pourquoi ai-je vécu le racisme » ?

F : Oui, je n’y avais jamais pensé avant. C’est bien d’être un bon batteur qui joue avec des célébrités, qui gagne beaucoup d’argent et qui voyage dans le monde mais il ne faut pas perdre de vue le fait que je suis un étranger. Même chez moi en Afrique, j’en suis un.

R : Tu viens de quelle région d’Afrique de l’Ouest, du Cameroun plus exactement ?

F : Ma mère est Boulou, c'est-à-dire du Centre Sud à la frontière camerounaise, un peu comme Emile Abbo Solo, comme Georges Seba. On n’est pas beaucoup de Boulous artistes, en France. Mon père est plutôt de l’est du Cameroun, il est Berthois –c’est musulman et cela se situe sur la route qui va au nord du Cameroun limitrophe au Congo, à l’Empire Centre Africain...J’ai grandi plus du côté de chez ma mère : du côté de l’est, chez Les Képérés et les Berthois qui ne sont pas connus même parmi les camerounais. J’ai d’ailleurs appris que Richard Bona était de l’Est alors que je pensais qu’il était de Douala. Cela me fait drôle car les musiciens de l’est sont très peu nombreux !...

R : Tu es le compositeur de certains titres de Tismée que tu chantes en africain. As-tu travaillé avec Julie-Lua Jù la parolière- ?

F : Non je n’ai jamais travaillé avec elle : en fait, les chansons sont de moi, texte et musique. J’ai écrit ces titres en camerounais, dans la langue de ma mère, le boulou, même les titres sur lesquels Aurélie danse. Je parle dans mes chansons de ma mère et de mon pays, d’une terre qui est loin…

R : Que voudrais-tu que le public retienne de Tismée ? Quelle trace veux-tu laisser de ce spectacle ?

F: J’aimerais que les gens en France qui viennent voir cette pièce s’intéressent plus à ce genre de problème, qu’ils prennent conscience de certaines choses.

R : Merci Félix, ton complice sur la scène, Khalil, vient de nous rejoindre à l’instant.

Arrivée de Khalil Maouene

R : Bonjour Khalil. Tu es aussi à l’affiche pour Tismée. Comment s’est faite pour toi la transition entre le musicien que tu es et ton entrée dans le monde de  l’actorat dans lequel tu débutes ?

Khalil : Bonjour Safia. Déjà, c’est un cadeau qui a été fait par Rubiah et Aurélie Konaté qui ont pensé à moi pour ce rôle. De moi-même, je ne suis pas sûr que j’aurais fait ce chemin là mais je suis très content de l’avoir fait au final car je m’amuse beaucoup et j’apprends pleins de choses et j’ai ma place dans ce spectacle Tismée.

R : Est-ce que Bruno s’est aussi inspiré de toi pour ton personnage ?

K : Justement. Au début, le personnage avait très peu de présence, de répliques et Bruno ne connaissait pas mon histoire .On a eu de très longues discussions et il s’est très largement inspiré de ce que j’ai vécu et le reste, il l’a perçu et c’est ça qui est extraordinaire. C’est son grand talent, car il est très observateur et il a réussi à mélanger nos trois histoires personnelles dans ce livret pour en faire cette histoire romancée qu’est Tismée. On n’a pas besoin de jouer.

F et K : Voilà !

K : On n’a pas besoin d’une grande technique pour ces personnages : il suffit d’être nous-mêmes. Il suffit d’avoir accès à ses propres émotions et le tour est joué…

R: Félix nous disait que ce spectacle était un moyen pour lui de répondre à ce questionnement sur le racisme qu’il a subi aussi et de ton côté, qu’en penses- tu ?

K : Non. Comme tu le disais toute à l’heure, j’ai la sensation –même dans ma vie- d’être un médiateur. Je suis le plus petit d’une fratrie de cinq enfants et déjà petit, j’ai appris à prendre le bon de chacun pour faire mon propre équilibre. Cela te permet aussi de faire ton choix même par rapport à tes parents alors que quand tu es fils unique, ils sont ton seul modèle. C’était bien pour réaliser la bonne équation pour ma vie future. Quand on était en France, on partait souvent en Algérie. Je suis du côté d’Alger-à une quinzaine de kilomètres à La Madrague-.

R : Dans le spectacle, ton personnage se plaint d’être systématiquement appelé par les siens pour faire de la musique dés lors qu’il se prépare un mariage en vue? Est ce ton cas?

K : Non je n’ai pas vécu cela mais c’est une analogie par rapport à la tradition : le poids de la famille peut être énorme surtout quand on rencontre quelqu’un : quand tu rencontres une fille ou un jeune homme, tu épouses sa famille avec ! –rires-

R : Où en es-tu avec ta tradition musicale car tu as fait l’album de Julien Clerc… ?

K : Justement on a été éduqués dans cette connaissance mais je ne parle pas l’arabe par exemple.

R : Dans quelle tranche immigrante, tes parents sont-ils arrivés ici ?

K : On est arrivés en 1979.

F : Comme moi !

K : Oui j’avais un an et demi. Mes frères et sœurs ont tous été scolarisés en Algérie. Tout le monde parlait français et arabe ; sauf moi qui n’avait appris que le français. En revanche on partait deux à trois fois par an en Algérie.

R : Suis- tu les traditions, le ramadan par exemple ?

K : Je l’ai fait pendant très longtemps mais pas l’année dernière. J’ai été éduqué dans la religion de mes parents mais cela n’a jamais fait d’interférence dans mes choix. Je crois en Dieu : il y a un métissage, un compromis de ce côté-là aussi.

R : Tes parents ont-ils bien vécu ton orientation de musicien ?

K : Parfaitement non car mes parents sont venus ici pour que l’on fasse de grandes études.

R : Comme tous les parents ?

K : En fait, mes frères et sœurs sont tous sortis de grandes filières telles que major de promo, docteur ou diplômé de MBA. Moi, je suis le mouton noir !-rires-

R : Avec Tismée, as-tu l’impression de montrer qui tu es vraiment ?

K : Oui cela m’a permis de montrer aux gens mon savoir faire. Je pense en avoir acquis un au fil des années et c’est une gratification de pouvoir le valoriser, de chanter ces chansons, d’accompagner Aurélie… Le personnage que je joue est effectivement très proche de moi donc si le public est touché, c’est un bienfait pour moi qui y ait mis beaucoup de ce que je suis.

R : A ce propos, tu es en collaboration avec Lua Jù, la parolière : comment s’est faite cette rencontre ?

K : En fait, elle est ma compagne depuis seize ans. Elle venait du Canada et je vis avec elle .On travaille ensemble.

R : D’où cette harmonie entre le texte et la musique ?

K : Oui, lorsque j’écris, elle comprend ce que j’ai mis dedans et elle écrit un truc qui correspond parfaitement et qui l’emmène même plus loin. La seule chanson du spectacle qu’elle n’a pas écrite, c’est « Mon âme cœur », parce que pour le coup, c’est la chanson que j’ai écrite pour elle. Elle est aussi une métisse, elle est d’origine irlandaise, québécoise, haïtienne et portugaise. Cette chanson est authentique en ce sens que Lua est très métissée, sans offense pour Aurélie qui vient d’arriver !-rires-

R : Merci Khalil et que voudrais-tu à ton tour que le public reçoive ?

K : Moi ce qui m’emmerde, ce sont les barrières. Tismée n’est pas un hymne au métissage à tout prix mais celui au métissage culturel et musical : tout ce que la France a apporté de plus beau! On est une force, une énergie et il suffit juste de puiser dedans ! On est là, on répond présent…

R : Donc, c’est un hymne à la diversité ?

K : Oui, c’est un hymne à faire tomber les murs et ce spectacle est bien pour ça : c’est familial, pluriculturel! Les gens ressortent heureux après avoir vu Tismée et c’est ça notre cadeau.

Arrivée d’Aurélie Konaté

R : Bonjour Aurélie. Je suis très heureuse de t’accueillir car tu es le personnage central de « Tismée » qui met en valeur le sens de ce questionnement sur le métissage. « Tismée », tu le dis dans la pièce est le verlan de « métisse ».Tu es le personnage vraiment en quête d’identité car tu ne connais pas tes racines. Dans la pièce, tu as appris de façon très brutale ce que veut dire « être tismée » ?

Aurélie : Oui dans le spectacle, j’apprends en effet qui je suis en arrivant à Paris où quelqu’un me hurle : « Eh toi la tismée, la tismée ! ».En gros : « Qu’est ce que tu fous là ?

R : Connaissais-tu ce terme Tismée ?

A : Personnellement, oui car j’ai grandi dans une banlieue chaude comme on dit. Donc le langage de la rue, le « verlan » m’était familier. Mais souvent, on m’appelait « chabine » car j’ai la peau très claire. Je sais que je suis métisse, donc je suis la métisse.

R : Tu  es un personnage qui est à la fois naïf, innocent mais qui est aussi  philosophe : elle essaie de réfléchir sur ce qu’elle est, sur son existence, sur le sens de ce qu’elle vit. C’est elle qui pose les questions à ces deux hommes protecteurs  qui l’entourent dans Tismée et elle les fait réagir. Est ce que tu connaissais déjà Bruno Fougnies avant ?

A : Bruno me connaissait car j’avais déjà travaillé avec Rubiah Matignon sur « Jo et Joséphine » et il a  appris à connaître Aurélie Konaté –il n’était pas auteur sur ce spectacle-.Il a connu ma vie, ce que je suis et dans Tismée, ce personnage est à la fois proche de moi, en ce sens où c’est quelqu’un de déterminé qui se pose ces questions existentielles depuis très longtemps. Elle est décidée à avoir ses réponses maintenant,  pas après. Donc elle quitte sa famille sans les avertir. Par contre, je n’ai pas eu ce déclic là, de prendre mon sac et de partir. Bruno s’est basé sur le fait que je suis quelqu’un d’assez déterminée, d’assez fragile aussi. Quand on me connait, on voit cette hypersensibilité.

R : Ça se voit sur scène et c’est ce qui touche le public.  Notamment une chanson que tu as composée « D’un seul regard » ?

A : Oui la chanson est venue d’un coup quand Khalil a lancé des notes au piano. Quand j’ai composé en « yaourt »-c’est une technique qu’on utilise quand on  n’a pas encore le texte-, je pensais au thème où la fille cherche quelqu’un pour l’aimer pour ce qu’elle est. Lua Jù a trouvé les mots justes pour transcrire ce que j’avais mis dans la composition.

R : En quoi  te sens-tu proche de cette jeune fille qui vit le déracinement, de sa quête identitaire, de celle de ses racines familiales, de celle de l’amour aussi ? En quoi cela te correspond ?

A : En tout !-rires-Ce qui est assez particulier dans Tismée, ce sont de personnages qui ont été créés mais à partir de  personnes réelles et vraies. Mine de rien, une partie de moi est là sur scène et forcément, parfois je n’ai pas assez de recul, je le sens. Le déracinement ? Mon père l’a vécu aussi donc je me sens proche de tout ça.

R : Quelles sont tes origines Aurélie ?

A : Ma mère est bretonne de Carantec dans le Finistère et mon papa est guinéen de Conakry. Il est arrivé très jeune à Paris car là bas, il ne pouvait pas poursuivre ses études .Il a rencontré ma maman et voilà ! C’est une souffrance pour lui car il n’est pas retourné aussi souvent qu’il le voulait en Guinée.

R : Tes parents ont aussi vu le spectacle : quelles ont été leurs réactions ?

A : En fait, si j’ai toutes ces questions aujourd’hui, c’est parce que mon père ne parle pas beaucoup. Il est très pudique. Quand il a vu le spectacle, à la fin, on fait danser le public et je suis allée vers lui et il s’est levé d’un coup. Après au restaurant, il est resté en retrait mais il m’a dit qu’il avait aimé…C’est quelque chose de très fort .Ma maman a pleuré ! Je sais que c’est quelque chose qui les a touchés. Dans la vie, on a du mal à trouver les mots et c’est plus facile de faire passer des messages par la scène.

R : Tu l’as fait aussi pour ça ?

A : Oui !

R : Que voudrais tu que les jeunes des banlieues chaudes dont tu parlais, en pensent ?

A : Tout le monde a été touché d’une manière ou d’une autre : ceux qui ont vécu en banlieue ou qui sont métisses ou les autres aussi. Comme on joue avec notre cœur, cela touche beaucoup de gens et pas seulement les gens de couleurs. Le message de réflexion, de tolérance et de joie passe.

R : Aviez- vous travaillé tous les trois ensemble  auparavant?

A : J’avais déjà joué avec Félix dans « Jo et Joséphine ». Et avec Khalil , on avait collaboré sur des chansons.

K : C’est moi qui t’ai présentée à Rubiah et après c’est toi qui m’a proposé pour Tismée.-rires-

R : Comment se sont passées les étapes de travail avec Rubiah Matignon?

F : On arrive en répétition sans savoir ce que représente le travail d’acteur. On fait comme on le sent mais Rubiah nous  a corrigés au fur et à mesure –elle a beaucoup observé car nous n’étions pas des pros - Mais elle nous a laissé aussi trouver les choses car ces personnages nous ressemblent. On a apporté beaucoup de notre personnalité : elle observe, elle enlève, elle cadre …Au départ, je ne savais pas trop où on allait car je ne connaissais pas ce type de travail sur table ...

A : Elle cadre.

R : Il fallait aussi que vos personnalités restent authentiques ?

K : Il a d’abord fallu que je trouve ma place moi-même, étant débutant et ensuite avec Félix et Aurélie.

A : Ce que j’ai apprécié dans ce spectacle, c’est que j’ai eu l’impression qu’on l’a créé pour que chacun exprime des choses à sa façon. Tismée, c’est trois personnages principaux qui se rencontrent avec une vraie relation d’amour et d’amitié.

K : Le rôle avait une envergure au départ et cela me faisait peur. L’intelligence de Rubiah, c’est qu’elle a laissé les énergies se mettre en place et elle nous a mis autour d’une table .Elle a cadré !

A : Elle nous a fait confiance en nous laissant faire notre petite tambouille mais elle nous a beaucoup dirigés aussi.

K : Des fois, on se disait où ça va ? En fait, cela va bien quelque part !

R : On a deux types de metteurs en scène dans ce métier : certains sont très directifs, d’autres laissent la place à la créativité du comédien ? Rubiah Matignon fait partie de cette catégorie ?

F : Je me suis retrouvée dans ce rôle là car elle sait que je suis quelqu’un dans la vie d’un peu fou mais en même temps, je suis aussi assez profond. Elle a su le faire ressortir dans le spectacle. Bruno a bien cerné nos personnalités et il est sensible.

R : Vous portez un message universel qui n ‘est pas facile à véhiculer ?

K : Justement, c’est le bon moment. On n’a jamais entendu autant parler de codes : discrimination positive ou identité nationale. On ressort libre de tout ça avec Tismée !

F : Une amie d’Aurélie est venue avec des élèves qui ne sortent pas d’une famille d’immigrés. Ils ont eu une réflexion autre et ils ont posé des questions pertinentes. On a eu beaucoup d’enfants qui me demandaient après, si je connaissais la mère de Khalil, ou encore j’ai lu des questions sur internet du genre : « Est-ce que tu es déjà reparti au Cameroun ?… »  

A : Il y a toujours des questions après le spectacle, une curiosité.

K : A travers les chansons et le texte, ce sont des problèmes identitaires universels : avec « Etre moi », Aurélie parle des diktats de la mode, cela parle à toutes les jeunes filles qui se cherchent…Le message va donc plus loin même si on a un héritage fort par nos origines et celles de nos parents.

R : Merci à tous les trois. Votre actualité ? Vous avez quelques dates et un projet de Cd ?

A : Les gens sont en demande en tout cas ! On y pense…

R : Tu es aussi dans «  Chante » sur Fr 2 ?

A : Oui! Je joue une peste dans « Chante », la saison 2 est terminée et je ne suis que dans la saison 3, après on ne me voit qu’à la fin…

K : Je prépare mon album aussi comme auteur compositeur interprète et en anglais, style musique soul funk américaine.

F : Là, je continue comme batteur pour des artistes nationaux et internationaux mais je fais aussi mon album. Je me tourne petit à petit vers un style plus métissé depuis Tismée. Le terme « world music » est trop réducteur pour moi ici en France car on trouve bien d’autres styles partout.

R : Oui. Peter Gabriel avec Real World a créé un label de musique multiculturel qui rassemble toutes les musiques du monde, en effet. Merci à vous trois. Je sais que vous préparez une très belle route à Tismée !

Voir l'article sur Tismée

Propos recueillis par Safia Bouadan.

© Philippe Warner

R : Bonjour Caroline.Tu es actuellement à l'affiche pour "Mistinguett, Madonna et moi" au théâtre Montmartre Galabru. D'où te vient cette passion pour ces personnalités féminines mythiques ?

C : Tout a commencé avec Yvette Guilbert. Quand j’étais petite, j’écoutais beaucoup d’Opéra car mes parents avaient énormément d’albums de Verdi et de Mozart. Mais ils avaient aussi Serge Reggiani et Yvette Guilbert. J’ai tout de suite été fascinée par sa voix, par ses chansons tellement particulières, par sa façon unique de placer sa voix, et par son talent comique évident. J’ai découvert après, l’immense artiste que c’était, la femme de tête, la curieuse, l’innovatrice.

Puis adolescente, j’ai passé beaucoup de temps à la cinémathèque de Chaillot. Là, les actrices comme Katherine Hepburn, Mae West, Bette Davis et Marlene Dietrich m’ont fascinée. Leur élégance, leur chic, mais surtout cette façon complètement originale d’être femmes.

J’ai aimé très tôt des femmes aux personnalités fortes, comme Dorothy Parker, une femme écrivain des années 30, la femme la plus spirituelle de New York à l’époque dont j’ai appris par cœur les petits textes ciselés et brillants. J’avais l’impression de trouver une âme sœur.

Ce qui me touche chez Madonna, c’est cette volonté et cette capacité à se réinventer toujours, cette réussite à la force du poignet, de travail, et cette vision forte d’elle même qui l’inspire depuis des décennies. Toutes ces femmes avaient ça en commun. Comme Shirley Goldfarb dont j’ai adapté le journal intime « Shirley » en 1999, avec Judith Magre.

R:Tu as une parfaite connaissance de l'art du Music Hall. Peut être as-tu été marquée par ton enfance à New York? Broadway?

C : Oui, j’ai passé une bonne partie de mon enfance à New York, et ai donc été nourrie très tôt de comédies musicales où j’ai découvert des personnages comme Judy Garland, Fanny Brice, Fred Astaire, les Marx Brothers. Le magicien d’Oz passait tous les Noëls à la télé. C’est une comédie musicale qui marque à vie, par sa beauté, le génie des numéros musicaux et son côté fable philosophique.

La comédie musicale est présente partout dans la culture américaine. Même pas la peine d’aller à Broadway ! Avec mes parents, on allait à l’Opéra. Et c’est sur l’aria de Don Elvire dans Don Giovanni de Mozart que j’ai eu mes premiers flashs de mise en scène…

R : De toutes les personnalités évoquées, laquelle te touche le plus? Pourquoi ?

C : Marlène surtout. Sa beauté, évidemment, mais par dessus tout son élégance folle, son intelligence, sa façon de prendre la lumière. Plus tard j’ai découvert son engagement. Ce qui m’a tout de suite touchée, c’est son génie à se jouer des codes, à les transgresser. Son ambivalence. On disait d’elle qu’elle n’était jamais si féminine que quand elle était habillée en homme et jamais si masculine que quand elle était habillée en femme. Ça, ça m’intéresse. Comment échapper aux stéréotypes masculins. Comment inventer ses propres codes féminins dans un monde d’hommes. Les actrices qui se travestissent, ça existe depuis longtemps. La Dejazet, la Mogador, Sarah Bernhardt elle-même, avaient l’habitude de jouer des rôles d’homme. Pour ne pas être uniquement un objet de désir, et prendre la parole pour exprimer le sien. Et parce que les rôles d’hommes étaient parfois plus intéressants. Quand j’ai passé le concours du Conservatoire, j’ai d’ailleurs présenté une scène dans laquelle je jouais un homme, ce qui a beaucoup intrigué Roger Blin, qui faisait partie du jury.

R :Tu évoques même Tallulah Bankhead qui est un peu différente non? Très marginale? Pourquoi cette femme?

C: Tallulah Bankhead est une personnalité très forte. C’est une actrice des années 30, 40 qui a joué dans « Lifeboat » d’Hitchcock, entre autres. Très belle, très intelligente, très spirituelle, elle était connue pour son humour ravageur.  Elle était capable de sortir des trucs énormes sans sourciller. Évidemment, elle me fait beaucoup rire !

R : Te considères-tu comme une grande gueule? Tu joues aussi beaucoup avec ton public en le provoquant sans cesse et cela marche…

C : Avec tous ces modèles, tous ces personnages auxquels je me suis identifiée, que j’ai reconnus comme étant de « ma famille », j’ai bien sûr trouvé des frangines. Ces femmes à la langue bien pendue, à l’humour viril m’ont nourrie, inspirée. Comme Dorothy Parker, il y a eu une époque où j’aurais tué père et mère pour un bon mot ! Aujourd’hui, j’aime toujours quand ça va vite, quand c’est intelligent, et quand c’est gonflé, mais je fais plus gaffe aux autres. Avec le public, c’est un jeu. Une complicité. Les gens aiment bien être un peu bousculés.

R : Ton univers scénographique et scénique est enrichi par la gestualisation, la poésie burlesque, le music hall, la variété et tu passes de l'une à l'autre avec facilité?

C: J’ai toujours eu le sentiment que jouer, chanter, danser c’était la même chose et comme j’ai vu beaucoup de films, de Kazan à Minelli, en passant par Cukor, Kurosawa ou  Stanley Donen, mon bagage d’images est très varié. La comédie musicale m’a donné le goût de ces mélanges de genres. Pour moi, peu de moments sont aussi magiques que ceux où, dans « La belle de Moscou » par exemple Fred Astaire marche avec Cyd Charisse dans Central Park, il esquisse un pas, elle un autre et la marche devient danse. C’est absolument divin. C’est de la poésie pure. Ça me met en transes. Depuis que je fais de la mise en scène je travaille avec toutes ces images dans la tête. C’est évident pour moi. Quand dans mon spectacle je mets un gros pull rouge pour chanter « di doo dah » de Gainsbourg pour Birkin, j’ai dans la tête Marilyn dans « le Milliardaire ». Et j’adore quand il y a un public cultivé qui reconnaît les références et les clins d’œil. D’un geste, d’un détail de vêtement, évoquer des images que j’ai aimées, je le fais depuis que j’ai commencé la mise en scène, en 1993 avec Michel Hermon aux Bouffes du Nord. Là, les références étaient aussi liées à Fassbinder, mais déjà également à Fritz Lang, mon premier grand choc esthétique au cinéma.

Comme je viens d’une famille de galeristes, la peinture est aussi une influence forte. J’ai créé un spectacle autour des Fleurs du mal  de Baudelaire, il y a quelques années qui était plein de références à Courbet, Delacroix, Man Ray, Bacon..

Avec la mise en scène, j’aime faire des tableaux.

R :En parlant de graphisme, je regarde la pochette et tout comme le clip réalisé par Philippe Gautier, l'univers est très stylisé ?

C : Je suis très heureuse que Séverine Gambier, qui a un talent fou, ait travaillé sur ma pochette et mon livret. Elle a fait une œuvre d’art précieuse, profonde, subtile. L’image autour des chansons est évidemment importante. J’aime que l’univers esthétique autour de mon travail reflète mon goût pour la peinture, le cinéma, la littérature. J’attache toujours beaucoup d’importance aux affiches de mes spectacles, également.

© Frédéric Renaud

Retrouver Philip Gautier pour le clip de « Crime parfait » a été important pour moi.

Quand on a travaillé sur les idées pour « C’est la ouate », on était partis de Gruau, un très grand affichiste, qui a fait toutes les campagnes Dior pendant des années. Pour « Crime parfait », on a plongé dans les bouquins sur le Constructivisme russe, on a évoqué « Sunset Boulevard », Mistinguett, Marlène, toujours. Il est venu voir mon spectacle « Mistinguett, Madonna et Moi » plusieurs fois, et ça a pas mal influencé son approche aussi. Il est venu voir le spectacle et beaucoup de choses y font référence car le clip est très music-hall aussi avec le haut de forme, la canne… J’aime aussi certains passages comme ce visage qui tourne et qui rappelle les années 30… Aujourd’hui, on a l’impression que les filles sont toutes des hardeuses! C’est vulgaire et bête, sans esthétique évoquée à part celle de la pornographie…Alors que dans les années 80, les clips qu’a faits Philip Gautier pour les Rita, Etienne Daho… étaient réalisés avec des références culturelles et graphiques très fortes, ce qui n’est plus du tout le cas maintenant et c’est affligeant cette inculture là ! C’est essentiel qu’il y ait ce goût pour des choses qui nous inspirent…

R:Tout est cohérent en effet : le spectacle, la recherche graphique, le clip, tes choix musicaux. Parlons justement de tes collaborations dans ce domaine ?

C : Avec Chet , j’ai coécrit « Crime parfait ». C’est un plaisir d’écrire avec lui, il a beaucoup de talent et d’humour aussi. Le style de Lisa Point, c’est subtil, littéraire… Ils ont tous les deux un goût très fort. Pour Bertrand Belin, c’est pareil...Ce sont tous des gens que j’ai croisés, vus et appréciés. Quand on dit qu’il n’y a pas de fil rouge, mais si, le fil, le lien, c’est moi !

R: En effet, c’est totalement un univers très personnalisé, intime dont ce titre que tu as écrit, « Écorchée » qui est plus dans la retenue, l’intimisation ?

C : La chanson est sortie comme ça, car cela parle de quelque chose de très intime, de très essentiel… Les choses les plus personnelles sont celles qui touchent le plus. « La place du mort  » a touché beaucoup de gens. Je parle des histoires dont on ne se remet jamais, des deuils qu’on n’arrive jamais à faire. La place du mort est celle qui est à côté de soi et qu’on n’a jamais pu  occuper… « Écorchée » est une chanson très intérieure qui me tient beaucoup à cœur. Il faut qu’elle soit pudique en même temps car les mots sont très forts, élégants. J’ai eu l’idée de cette ambiance…D’abord quand je confie des textes les musiciens me renvoient le titre avec la musique et c’est rare que je n’aime pas. En général, j’ai eu de la chance même s’il est arrivé deux ou trois fois que ce ne soit pas du tout ça ! Je dois beaucoup à Fred de Fred qui a fait les arrangements, à qui j’ai laissé carte blanche. Il a travaillé avec beaucoup de finesse et il a su ressentir la profondeur des choses.

R :Comme tu le disais,  tu viens d’une famille de galeristes du côté de ton père et de ton grand père je crois. Alors y a-t-il eu quelque chose dans cette culture qui t’a marquée pour la réalisation de tes mises en scène, ton sens artistique ?

C : Dans mes spectacles, en effet, je me suis aperçue de l’influence de la peinture mais je n’en avais pas conscience quand j’ai commencé la mise en scène il y a quinze ans. J’étais plus imprégnée par l’univers du cinéma, de Fritz Lang, de Murnov… Mon grand choc au cinéma a été l’expressionnisme allemand. J'ai créé aussi  « Les bijoux »de Baudelaire mis en musique par Léo Ferré, un type de cabaret érotique sublime, avec une fille extraordinaire du nom de Sophie Balabanian. Et là, la première image, c’était « L’origine du monde » du peintre Gustave Courbet. Donc c’était très inspiré, très fort et après cela allait de plus en plus loin et j’ai pu m’apercevoir à quel point la peinture m’avait marquée, comme je t’en parlais plus haut avec l’influence de tous ces peintres… J’aime faire des tableaux. Un beau plan d’un film, c’est un tableau avec un cadre autour.

R : Cela va ensemble, la peinture, le cinéma de Fritz Lang… ? Et Carl Theodor Dreyer t’inspire t-il aussi ?

C : Oui. Fritz Lang était un architecte aussi. Pour Dreyer ? j’ai des souvenirs très forts de « Jeanne d’Arc » avec Antonin Artaud et ces plans incroyables. La force de ce visage de Falconetti est impressionnante. J’ai vu une exposition dernièrement sur Artaud à la BNF et pu admirer ce travail. Mais Dreyer n’a pas été pour moi un maître comme ont pu l’être Lang, Murnov, Eisenstein, Kurosawa, Cukor, Mankiewicz, …

R : Oui avec des films comme « Le château de l’araignée » de Kurosawa, on a une dimension spirituelle. Es-tu aussi portée par une certaine spiritualité ?

C : Je suis plus touchée par la beauté d’un cadre, d’un visage. Tu me demandes si je suis spirituelle, quand j’écris, j’essaie de faire un mot juste, quand je dirige un acteur, un geste juste …Les moments parfois sont tellement forts que cela est proche du mystique. Comme dirait Woody Allen, mon Dieu c’est l’art!

R : Merci Caroline, j’ai envie de te poser la question comme dans le court métrage que tu as réalisé : « Vous désirez »?

C :-Rires- Tu me demandes ce que je veux … Continuer à faire tout ça!

À être sur scène, à faire des chansons, à m’amuser…J’ai un projet de comédie musicale qui me tient beaucoup à cœur et qui avance bien.

R : À combien de personnages, quel en est le sujet ?

C : Beaucoup de personnages. Ça se passe à New York, fin des années 60. Le thème est la libération des femmes, celle des noirs et celle des pédés. C’est quelque chose que je n’aurais pas eu envie d’écrire si je n’avais pas été élevée au coin de Harlem !

R : C’est vrai qu’on ignore qui est vraiment Caroline Loeb ?

C : On est très vite enfermée dans un tiroir et c’est grave car il y a beaucoup d’artistes qui ont plein de talents. Dans les pays anglo-saxons, on est plus généreux qu’ici, on aime voir les artistes rebondir !

Je vais finir avec une phrase d’Einstein « on dissout plus facilement un atome qu’on ne détruit un préjugé » et en France, c’est très dur de bousculer les préjugés mais ça va, j’ai de l’énergie !

R : Tu es en tournée aussi actuellement ?

C : Oui je mets en scène Isabelle Alonso dans un spectacle féministe évidemment, avec des textes très bien écrits sur la politique, drôles et percutants. Son spectacle s’appelle « Et encore je me retiens »

R : Rappelons ton actualité :en ce moment « Mistinguett Madonna et moi » au Théâtre Montmartre Galabru , tous les dimanches à 19h.

C : Et c’est la bonne heure !

R : Oui et c’est le bonheur de venir te voir en scène ! -rires-…Sinon, ton album « Crime parfait « est sorti chez Believe depuis janvier 2009, dont le single Crime parfait a été extrait pour le clip en ligne réalisé par Philip Gautier. Merci Caroline pour cette interview.

Voir l'article sur le spectacle

Interview réalisée par Safia Bouadan

Interview de Gilbert Ponté  réalisé au salon de thé La ferme le 23 octobre 2009.  

R : Bonjour Gilbert Ponté. Vous êtes actuellement à l’affiche pour « Giacomo sur les planches » qui est l’épisode II d’une trilogie de la mémoire avec en épisode I :« L’Enfant de la cité » qui est autobiographique. Comment cette aventure très humaine a-t-elle commencé ?

G : Elle a commencé parce que j’avais envie depuis longtemps de raconter l’histoire de ma famille italienne en France : depuis leur départ d’Italie jusqu’à leur arrivée. Mais également comment ils avaient réussi à s’intégrer, comment ils s’en étaient sortis. Comme tous les immigrés, ils sont arrivés avec une valise. Ils se sont installés, ils ne parlaient pas un mot de français. Ils ont fait des enfants. Ils ont travaillé dur. J’ai vécu dans une cité ouvrière, et je voulais donner la parole à ces gens ordinaires comme disent les canadiens.  Ces gens ordinaires qui deviennent extraordinaires sur une scène de théâtre. Ces gens ont structuré et nourri l’imaginaire de ce petit personnage Giacomo.  C'était des gens qui portaient en eux une force de vie et non une force de mort, c'était donc des battants. C'est un peu tout cela que j’ai voulu rendre sur scène avec sincérité.   

Je viens d’une région en Italie où la devise est honnêteté et travail.

R : Quelle région ?

G : Le nord est de l’Italie près de Trieste, dans mon village de Talmassons.

R : Vous êtes partis pour arriver en Alsace ?

G : Ce n’était pas facile d’y vivre car les alsaciens avaient des problèmes déjà avec leur culture alors voir arriver comme ça des étrangers …Dans les années 60, ce n’était pas si évident! Cela se reproduit avec d’autres nationalités. Je voulais justement dans ce spectacle faire une passerelle entre l’histoire ancienne et celle contemporaine et récente.

R : Vous donnez par ailleurs beaucoup d’importance à l’histoire mais aussi aux découvertes historiques ?

G : J’ai toujours travaillé avec le contexte historique. Pour soulever des questions, il faut savoir dans quel contexte cela se passait. Là on parle des années 70, c’est l’apparition de la consommation, du confort, de la télévision

R : On évoque mai 68 aussi ?

G : Oui, on parle de tous ces évènements qui quarante ans après déteignent sur nos sociétés. L’être humain ne change pas fondamentalement.

R: On sort d’une crise pour rentrer dans une autre ?

G : Tout à fait. C’est cyclique, on revient aux mêmes choses. Ce qui m’intéresse, c’est de voir comment les êtres humains se comportent par rapport aux évènements extérieurs qui arrivent. Qu’est ce qu’ils font et finalement ils font avec ! –rires-

R : Pour parler de l’extra-terrestre, on parle de l’homme qui a marché sur la lune. Quel impact cela a-t-il eu sur l’enfant que vous étiez ?

G : Tout à fait. Je me souviens que mon père m’a réveillé la nuit. Pour moi, cet évènement extraordinaire a été un point de départ de l’histoire et j’ai voulu situer le début de mon spectacle autour de ce fait.

R : Est-ce la seule raison de le situer à cette époque ?

G : Non. Il y avait aussi la fascination.

R : Vous avez un rappel poétique dans le cyclorama qui défile en même temps sur l’écran scénique et une grande part est donnée à la poésie burlesque ?

G : Elle vient des êtres humains que j’incarne et du respect de cette rencontre avec ces personnages. Je n’aime pas le comique méchant, qu’on se moque des défauts physiques, même si dans mon spectacle, la petite fille Sandrine a un appareil dentaire mais elle est très belle quand elle l’enlève !

-rires-

R : La petite file Sandrine correspond au moment ou le petit Giacomo veut lui faire répéter Roméo et Juliette et elle est amoureuse de lui ?

G : Ce sont les premières amourettes de Giacomo qui découvre le sexe opposé.

R : A travers le théâtre aussi ?

G : Oui c’est vrai .J’utilise la vie très riche de mon entourage pour construire celle de mon personnage et ma création.

R : Giacomo c’est vous bien sûr ?C’ est l’oncle Eddy qui vous a vraiment ouvert les portes du théâtre ?

G : Oui,  c’est bien moi et Eddy m’a beaucoup marqué : c’était un homme très cultivé, qui lisait beaucoup et de tout. C’était un personnage atypique et original qui aimait la littérature et dans ce contexte ouvrier, il détonait .C’est vrai, il buvait aussi mais à chaque fois que j’allais chez lui, il lisait, peut être parce que la vie l’emmerdait tout simplement! Il s’échappait du monde alentour …Pour lire, il faut accepter d’être seul, d’être dans le silence. On dit qu’il y a beaucoup de gens qui lisent comme ça mais le font –ils vraiment car cela exige de se déconnecter du monde autour de soi.

R : Une référence importante est faite à la religion par l’intermédiaire du curé et d’une façon très cinématographique à la Dino Risi ?

G : Oui. Le personnage du curé m’a marqué dans mon enfance aussi car il avait le sens du spectacle. Il mettait sa messe en scène et c’est ça qui m’a fasciné. Le curé jouait, Eddy répétait avec moi. Le personnage du rebouteux est aussi un personnage de théâtre .Ce sont eux qui m’ont nourri d’humanité. J’ai vécu dans une communauté italienne et c’est vrai que l’on retrouve ces personnages dans le cinéma italien. Quand on va en Italie, tous les italiens dans la rue jouent un personnage, se montrent et parlent fort. On est toujours en représentation.

R : Dans les ruelles, à chaque coin, on y voit des icônes et des statuettes de la Vierge et des saints. Justement, vous incarnez dans cette galerie de personnage  Jésus ou San Sebastian d’une façon loufoque et très personnelle ?

G : Dans l’église trônait un grand San Sebastian de trois mètres de haut qui m’impressionnait toujours : il avait les yeux révulsés et il était en extase avec ses flèches. Je le regardais en me disant que c’était incroyable ce type qui prend plaisir à être un martyr. Alors je me suis dit pourquoi pas le faire parler…Et ce qui est original en effet, c’est que d’un seul coup, un musulman, Boubaker, entre dans l’église et se met à parler avec un saint. C’est totalement théâtral.

R : Les musulmans ont en effet aussi leurs saints mais là c’est différent. Quelle est la réaction des gens ?

G : rires- Oui ce n’est pas tous les jours qu’un musulman s’adresse à un San Sebastian! D’ailleurs, le public à ce moment précis entre dans un silence religieux et je le ressens. Alors que les italiens quand ils rentrent dans une église, ils se comportent normalement: un saint qui parle ?… pourquoi pas !

-rires-

R : C’est la référence à la culture populaire : le « populo », le peuple fait l’Italie ?

G : Oui, on appelle ça la tradition populaire, le conte populaire. Dario Fo en parle très bien : on joue dans la tradition populaire, on incarne des personnages que l’on fait vivre dans une espèce de bouffonnerie, mais toujours dans une certaine générosité.

R : Ce n’est pas votre première collaboration avec Stéphane Aucante. Il a commencé avec vous par une adaptation de Dario Fo ?

G : Tout à fait avec « Le Saint jongleur François « qui a été joué à La Comédie Française l’année dernière. J’en avais fait la traduction et là aussi, on a un peu de mal dés qu’il s’agit de religion. Si on connait un peu Dario Fo, il a un profond respect pour Saint François d’Assise mais il en fait un personnage justement populaire.

R : Vous l’aviez adapté à Paris ?

G : Oui je l’avais joué en 2005 ou 2006 au Théâtre Essaion.

R : C’était votre première collaboration avec Stéphane Aucante et d’autres ont suivi. Comment s’est faite cette rencontre ?

G : On s’est bien entendu, ce sont des affinités qui se créent parfois naturellement.

R : Vous l’aviez rencontré dans un festival ?

G : Oui, au festival d’Avignon et on a essayé de commencer quelque chose ensemble .C’est devenu un ami et il connait bien mes défauts. Et là qui plus est, c’est mon histoire donc c’est plus difficile à mettre en scène.

R : Pour cet épisode II, « Giacomo sur les planches »,  Stéphane Aucante dit : C’est difficile de mettre un acteur seul en scène mais qu’avec vous, c’est un véritable plaisir qu’il a eu envie de renouveler. Il rajoute aussi qu’il faut oser notre envie de théâtre, voire aller dans une certaine démesure avec ce qu’il y a de spectaculaire. D’où le côté étoffé que l’on voit sur scène, avec le support visuel, audio- fidèle à l’époque où l’action se situe-,celui issu du travail de gestus, ce,pour que le public ait une vraie idée de ce type de théâtre ?

G : Oui .Il faut mettre beaucoup de références dans ce sens.

R : Combien de personnages incarnez-vous ?

G : Oh à peu près une trentaine.

R : C’est très identifié à la culture italienne mais c’est transfrontalier ?

G : Oui je raconte cette histoire là comme c’est le cas pour tous les immigrés en France.

R : Votre actualité ?

G : je suis à l’affiche avec « Giacomo sur les planches » jusqu’à fin janvier à la Manufacture des Abbesses.

R : Mais vous préparez déjà la suite ?

G : Oui je répète avec Stéphane Aucante, on prépare le troisième épisode de Giacomo et qui sera « Le monde est grand ».il va fuir la cité et ce sera un vrai travail sur la mémoire…Mais je ne peux pas tout raconter.

R : Merci pour cette interview Gilbert Ponté et belle continuation.

Lien vers l'article sur Giacomo sur les planches

Propos recueillis par Safia Bouadan

Interview de Charlotte Baglan réalisé au Salon de Thé La Ferme, le 29 septembre 2009.

R : Bonjour Charlotte .Tu es Silvia, la jeune héroïne de cette pièce incontournable de ce talentueux Marivaux, mais l’adaptation faite par Erika Vandelet en est très originale et moderne. Dis nous comment s’est faite cette rencontre, ce choix de l’actrice ?

C:Tout simplement en passant une audition mais j’étais en Inde dans cette période et j’ai vu sur un site de comédiens qu’ils cherchaient une Silvia….je suis revenue en Bretagne pour auditionner.

 R: Lorsqu’on te regarde, on voit que tu es très métissée, asiatique ?

C: En fait, j’ai des origines mongoles et italiennes. J’aime beaucoup faire des grands voyages et là je voulais parcourir cette région.

R:Peux-tu nous parler de ton parcours de comédienne ?

C: J’ai toujours voulu faire du théâtre. Je viens de Marseille du côté d’Aubagne, mais là j’ai perdu l’accent sinon, je ne pourrais faire du théâtre. En fait, il y avait dans ma petite enfance des pastorales et mon premier rôle a été d’être le bébé de la crèche !-rires-Mes parents étaient compréhensifs et j’ai fait A3 bac théâtre et littéraire. J’ai fait la scène sur Saône et par les concours nationaux, je suis arrivée à la CDN de St Etienne.

R : As-tu un modèle de comédien ou de spectacle qui aurait joué le rôle de déclic pour toi?

C : Un modèle de spectacle, oui :"Le Pays lointain" de Lagarce monté par François Rancillac (nouveau directeur du théâtre de l'Aquarium). Cela a été une de mes premières grandes émotions au théâtre, j'aime particulièrement son travail - mais un comédien en particulier non …

R : As-tu été marquée par des professeurs en particulier ?

C : Nombre de professeurs m’ont apporté leur savoir notamment dans le domaine de l'écriture contemporaine que j'affectionne particulièrement : au sein de la Comédie de St Etienne, on travaillait parfois de neuf heures du matin à vingt trois heures, alors j’étais vraiment gavée comme une oie ! J’avais vingt ans à l’époque et j’ai étudié des auteurs comme Koltès, Sarah Kane, Gilles Granouillet  pour la pièce « Trois femmes descendent vers la mer » …Alors travailler un classique avec Erika, je ne demandais que cela !

R : En avais tu abordé avant ?

C : Oui,  Shakespeare, Claudel... et même de la tragédie (Euripide), mais je suis plus à l’aise dans le registre contemporain…Erika justement ne cherchait pas l'image type de la jeune première au sens dit "classique". D'ailleurs le jour de l'audition, je suis montée sur une chaise en brandissant le texte de Silvia avec ma personnalité et après cela a été un vrai travail pour  avoir le texte, le mâcher, le redonner car au départ, je n’étais vraiment pas douée !

R : Comment s’est faite ta rencontre avec les autres acteurs de la troupe dont beaucoup avaient déjà eu une formation à ce répertoire classique ?

C : On ne se connaissait pas. Sébastien Nivaux qui joue mon amoureux Dorante a également passé une audition. Anne, Nathanaël, Raphaël et Jean avaient déjà travaillé avec Erika dans d'autres projets. Cela a été une amitié qui s’est faite par le travail : on a sué avec ce texte à essayer d’en faire le nôtre avec ces deux couples Arlequin et Lisette ou Dorante et Silvia! Ce sont de jeunes adultes qui éprouvent l’amour et dans ce mot, il y a le terme « épreuve » : on devait s’investir corps et âme !

R : Trouves tu que ce personnage te ressemble ?

C : Mes partenaires diraient que j’ai quelques côtés de Silvia : une ultra sensibilité car je passe du rire aux larmes en deux secondes dans la pièce .On a travaillé l’état adolescence…

R : Tu m’as confié que tu avais fait de la recherche en écriture et en ethnologie ?

 C : Oui je suis allée interroger des femmes de mineurs dans le bassin minier de la Loire car j’ai vu qu’il y avait très peu de recherches sur ce domaine.

R : Pourquoi cet intérêt ? Tu as aussi une sœur journaliste, cela vient de là ?

C : Non, c’est la ville où j'habitais à l'époque et sa population qui m'ont inspirée! Ces mineurs sont les artisans de la ville comme nous comédiens le sommes. Du coup, je devais me servir de cette source.

R : Comment as-tu abordé le personnage psychologiquement ?

C : Justement, je ne l’ai pas trouvé tout de suite. Je pense même qu’on y est arrivé en dernier. Ce qui était compliqué car tout s’articule autour de Silvia ! Il faut saisir la langue, le rythme puis l’intériorité, sans en faire trop pour ne pas s’éloigner du personnage. Il fallait être dans la juste mesure tout le temps, ce qui représentait des couches et des couches de travail.

R : C’est assez rare d’avoir un très bon metteur en scène et directeur d’acteur en même temps ; on dit que l’un disparait au détriment de l’autre ?

C : Oui j’ai eu une très bonne direction d’acteur avec Erika et très suivie. C’était un vrai travail …Elle me disait qu’il y aura beaucoup de Silvia mais il n’y aura qu’une Silvia-Charlotte, un Arlequin-Raph… Comment ramené à soi? C’est intemporel dans les rapports humains. Le texte amène un souffle aussi. J’ai l’impression que quand ça marche bien c’est de l’ordre de la valse et dans le sens contraire ce serait plutôt une bourrée –rires-

R : Parlons de la maturité du spectacle ?

C : On a eu un mois et demi de travail intensif en Bretagne vers Lorient et Auray …L’année de création on a beaucoup tourné en Bretagne tel Lanester, Lorient, Pont l’Abbé…

R : Combien de temps avez-vous retravaillé avant de la présenter au Th 12 Maurice Ravel ?

C : Très peu en fait. Quatre ou cinq services. Mais quelque chose se digère entre temps : des choses qu’on ne comprend pas sur le moment à vif mais qui sont là quand on revient.

R : Comment expliquez vous l’excellente réaction du public face à cette version très moderne et fidèle au texte en même temps ?

C : Le texte est d’une beauté sans appel. Aucun des comédiens, ne s'économise sur le plateau! Le public accroche car on y va avec rythme…

R : Les personnages de Lisette et d’Arlequin sont très proches du genre « bouffon », au contraire de ceux de Dorante et de Silvia ?

C : Oui .Eux ont ce comportement là car il y a quelque chose de plus mental dans leur relation au contraire du premier couple qui reste très physique.

R : Qu’est ce que vous souhaitez apporter au public de nouveau dans cette adaptation plus moderne faite par Erika Vandelet ?

C : Qu’on le dépoussière et qu’on le rende plus accessible : les classiques, ce n’est pas chiant ! Il me plait de relire du Corneille par exemple, mais je ne veux pas décrier les autres spectacles. Les beaux mots, les grands sentiments, cela fait grandir !

R : Justement Charlotte, ta voix est très mûre et grave et ce n’est pas une voix d’adolescente ?

C :Non. Je n’ai jamais eu une voix fluette : déjà à trois ans, on me disait : "Ah vous êtes si jeune c’est drôle cette voix ! ». En tout cas c’est la mienne!

R : Tu appartiens à cette jeune génération d’acteurs issue des grandes mutations culturelles. Comment perçois-tu ce changement ? Etre acteur aujourd’hui, est ce pareil que dans les années cinquante, soixante ou soixante dix ?

C : Non, je ne pense pas. Je sors d’une maison: La Comédie de Saint Etienne …Avec la décentralisation, Jean Dasté...Je suis entrée dans une famille. Il y a deux types d’écoles et je pense qu’il faut être chercheur aussi. J’écris en parallèle des reportages sociologiques que j’adapte à la scène en fait. J’avais justement joué " Mine de rien" à l’Odéon à Paris aux ateliers Berthier. Le métier est dur et il faut le prendre comme un artisan. Aujourd’hui il faut être multiple…

R : Parle-nous de ton actualité ?

C : Après le Théâtre 12 Maurice Ravel près de la Porte de Vincennes, on est en tournée les 22, 23 et 24 octobre 2009 Arras, les 27 et 28 octobre 2009 à Beauvais, les 31 octobre, 1 et 2 novembre 2009 à Evreux, les 13 et 14 novembre à Toulouse, les 16 novembre 2009 Montpellier, les 20, 21 et 22 novembre 2009 Toulon, 28 novembre 2009 Chambéry, les 30 novembre et 1er décembre 2009 à Macon. Après je repars en tournée avec « Yael Tautavel ou l’enfance de l’art » et cela fait un an que je tourne. J’étais en reprise de rôle et il a été nominé comme spectacle jeune public aux Molière 2007. J’y joue le personnage de Kinöé, la petite fille.

R : Merci Charlotte pour cet entretien. Belle route aussi pour  « Le Jeu de l’Amour et du hasard »  mis en scène par Erika Vandelet et qui va être en tournée.

Propos recueillis par Safia Bouadan

Voir l'article sur « Le Jeu de l’Amour et du hasard »

-Rires-

M : Non, chaque rôle que j’ai joué au cinéma ou au théâtre a toujours été une histoire d’amour qui se finit plus ou moins bien, parce qu’on est plus ou moins heureux après, de la manière dont cela a été monté pour parler du cinéma. Mais j’ai toujours eu la chance de tomber dans des équipes ou dans des aventures formidables. Les copains me font souvent la remarque : « Tu as un bol toi, tu tournes toujours dans des trucs qui ont cartonné ! « .Et je leur réponds : « Mais non, c’est parce que j’ai joué dedans que ça a cartonné ! ».

-Rires-

R : On te connait également comme un artiste qui a un grand cœur et je sais que tu appuies actuellement un réalisateur Pierre Antoine Carpentier qui a lancé une opération au profit des enfants malades pour les faire rire, sourire et rêver surtout! Elle s’appelle « Planter des rêves » ? Tu l’as présentée, je crois le 28 septembre à Maubeuge ?

M : Oui, tout à fait à Maubeuge et à Lille.

R : Comment est partie cette histoire de cœur, cette envie ? As-tu déjà participé à ce type d’opérations sociales, humanitaires et caritatives ?

M : Oui, beaucoup : déjà dans la région de Bourgogne, je suis parrain du Téléthon. Pendant trois jours, je fais mille kilomètres en voiture pour aller voir les diverses associations qui montent des stands, vendent des crêpes…Je me sens très proche des personnes qui sont dans ma vie de tous les jours. Je me dis toujours comment jouer des personnages si je ne vis pas dans la vie de tous les jours, si je suis enfermé dans ma tour d’ivoire, un superbe trois cents mètres carrés dans le seizième arrondissement? J’aime bien aller boire mon café, discuter avec les gens, voir comment se comporte un serveur, s’il est énervé… Et je filme ça dans ma tête. Le plus bel exemple que je donne, c’est lorsque Claude Zidi m’a proposé le rôle du voleur de sacs dans « Les Ripoux » et quand ce dernier se retrouve au commissariat. Il est sûr qu’il va en prendre pour trente ans, hors Noiret le libère, Lhermitte ne comprend pas, lui non plus ne comprend pas. D’un coup c’est la caméra cachée, surprise-surprise…C’est en prenant le métro que j’ai trouvé l’attitude à avoir pour ce rôle : j’ai vu en effet  un comportement de deux mecs très bizarres au point que j’ai cru qu’ils allaient se suicider tous les deux. Ils avaient physiquement une attitude très étrange, une respiration anormale. Le métro s’est arrêté et deux dames en sont sorties. Les gars ont suivi les deux bonnes femmes et à mon avis, ils sont allés leur piquer leurs sacs à la sortie. Alors dans les Ripoux lorsqu’on a filmé dans le XVIIIè, sur la place du marché, près de la mairie, j’ai incorporé ces deux personnages : jamais ils ne vont imaginer que je me suis inspiré d’eux pour avoir cette respiration, cette tension !

-Rires-

M : … Je suis père de trois enfants et c’est quelque chose qui me touche-Le hasard a voulu un jour– mais il n’y a jamais de hasard- que je vois un film très drôle mais avec une chute complètement ratée et je m’en suis ouvert au réalisateur qui m’a demandé mon contact. Un an et demi après, il m’a recontacté pour ce court métrage « Planter des rêves ». Lui même s’était occupé d’un enfant pendant deux ans qu’il avait suivi mais qui est décédé. Il avait envie d’en parler et il m’a raconté l’histoire de ce gamin dans le film qui a un cancer, qui est hospitalisé avec un traitement en chimiothérapie donc avec le crâne rasé. Il a un grand frère qui passe la nuit dans sa chambre. Ils sont passionnés par un livre qui raconte l’histoire de deux chevaliers qui doivent trouver deux morceaux de lune pour terrasser le dragon. Je joue un homme d’entretien qui  leur permet de s’évader un moment de ce monde de la maladie …J’ai défendu le film à Maubeuge, à Lille et je crois que ça va bien fonctionner dans les associations pour enfants malades, dans les hôpitaux ou dans les festivals. En plus, il a rajouté des séquences où on retrouve ces personnages en dessins animés : les enfants sont des chevaliers et je deviens un troll qui les aide.

R : C’est un conte en fait ?

M : Oui, tout à fait, c’est un conte ! Et lors du tournage, on a eu une trentaine d’enfants malades qui sont passés pendant trois à quatre jours qui sont venus avec leurs parents et c’était pour eux un après midi génial et pour nous aussi.

R : Oui alors pour ce film, tu es aussi le parrain ?

M : Oui, je suis ravi et ce qui est très amusant j’en parlais hier à Jean Pierre Jeunet car on était à Lille pour la promo du film Micmacs à tire-larigots : « Tu vois, j’étais à Maubeuge et à Lille pour défendre le projet « Planter des rêves » et je me suis retrouvé dans une petite chambre d’étudiante avec des petits moyens je me suis payé mon train pour les aller retours… ». Une semaine après je viens défendre Mic- Macs à tire-larigots qui sort le 28 septembre, avec un coût de vingt cinq millions d’euros et je me retrouve alors dans une chambre d’hôtel où je ne peux même pas compter le nombre d’étoiles ...C’est merveilleux ce métier là !

R : C’est un métier de saltimbanque où on navigue entre le paradis et l’enfer ?

M : Au paradis, on serait alors comme dans un monde de drogués…

R : Un monde de facilité où tout devient faux alors ?

M : Oui effectivement, ça devient faux. Il y a pas mal d’acteurs qui pètent les plombs car ils claquent des doigts et il y a quarante personnes qui les servent. Il faut faire gaffe et avoir la tête sur les épaules et aussi savoir s’entourer pour qu’on vous tape sur l’épaule et qu’on te dise : « Calme toi, t’es entrain de changer ! ».

R : Parlons de l’actualité du Chalet de l’Horreur de la trouille qui fait peur, une pièce  humoristico-policière qui plaira à toute la famille ! Elle est à l’affiche à la Comédie de Paris jusqu’au 28 décembre inclus. Encore merci Michel de t’être prêté à cet interview.

Voir l'article "Le chalet de l'horreur"

Propos recueillis par Safia Bouadan

Interview de Frédéric Norbert, fait le 29 juillet 2009 au salon de thé «  La ferme » à Paris.

R : Bonjour Fréderic. Tu évoquais toute à l’heure les difficultés économiques et sociales du monde actuel et les retombées sur le monde du spectacle, que voulais-tu dire ?

F : Les gens essaient de faire face à leurs problèmes et les issues sont difficiles or dans le monde du spectacle, il faut faire rêver et réfléchir. Je crois que le théâtre apporte des solutions à l’humain. Je suis sûr que la réflexion qu’il provoque- que ce soit pour la revue, le théâtre musical  ou une pièce- est importante pour notre condition humaine. Maintenant tout le monde n’aime pas le théâtre pourtant dans nos sociétés actuelles, on en a besoin.

R : Georges Sand évoquait « Le théâtre du monde ».Là, tu parles de culture citoyenne ? Tu penses que le théâtre joue un rôle de  médiateur ?

F : Oui, absolument, comme les chansons l’ont fait aussi… Franchement, on s’écoute de moins en moins : on est tous enfermés dans notre vie, dans nos problèmes et c’est de plus en plus difficile humainement parlant : il y a des crevasses qu’il faut combler. Si on s’écoutait un peu plus, je pense qu’on trouverait ensemble  plus de solutions.

R : L’acteur joue donc un rôle important ?

F: Oui, la parole est importante mais aussi la pensée. La revue qui est un art a fortiori léger demande un travail à pleins poumons, à plein temps. Les livrets peuvent paraître simples-  l’histoire ou le sujet étant moins importants que ceux issus d’une pièce de théâtre subventionné ou du cinéma d’auteur- mais quand la trame du livret est liée à la chanson, à la chorégraphie et au spectacle, cela donne un tout très cohérent. On n’a pas besoin d’être supérieurement cultivé pour créer un art qui ait une grande force en lui-même.

R : Cela fait d’ailleurs depuis près de trente cinq ans que tu es sur la scène  internationale, à New-York justement pour des comédies musicales ?

F : Ça! Faut pas le dire car ils vont penser que je suis grabataire! Mais oui cela fait bientôt trente cinq  ans.-rire-

R : Qu’est ce qui t’a poussé à entrer dans ce monde ?

F : C’est très simple. En fait, quand j’étais petit, je voulais être tailleur de costumes et en troisième, mon professeur de français qui s’appelait Maladorno, me demandait à chaque fois pour dire des poèmes dès qu’il fallait en déclamer. Et un jour, il m’a proposé d’intégrer la troupe de théâtre amateur de ses anciens élèves : ils étaient quatre pour jouer une farce, « Les commères battues », une pièce médiévale. On vivait en plein  évènement de mai 68 et je ne l’ai jouée qu’une seule fois. Mais cela a été inoubliable pour moi : mon premier rendez vous avec les acteurs, les répétitions …J’ai tellement jubilé ! Le métier de tailleur a été vite oublié et j’ai demandé à ma mère de m’inscrire aux cours Simon et pendant deux ans, j’ai pris des cours avec Béatrice Lord qui est décédée maintenant. Elle était  actrice mais comme elle élevait ses enfants,  elle était devenue professeur et  a repris son métier de comédienne par la suite. Mon premier petit rôle  a été dans «  Le Sauveur » de Michel Mardore : je jouais le frère paysan de Muriel Catala et mes parents étaient Roger Lumont et Hélène Vallier…

R : Actuellement, tu viens de rentrer du Portugal où tu viens de faire un film ?

F : Oui, j’ai quelques très belles scènes dans le film : c’est l’histoire d’un couple fatigué d’être ensemble...  alors, lorsqu’arrive un jeune homme, la femme succombe. Le mari, en deuil de sa mère, a lui même une double vie tard le soir : il se travestit .C’est un film sombre de Fernando de Susa, auteur inconnu encore puisqu’il n’a fait que trois courts métrages et  n’a que vingt six ans. J’avais déjà eu un rôle de travesti dans le long métrage de Paul Vecchiali : « Et plus, si @ff ».

R : Tu avais déjà joué dans « La Machine » en 1977 avec lui non ?

F : Oui et dans cet autre film de Paul, on a repris une chanson de Roland et Claudine Vincent. Ma vraie mère qui a quatre vingt un ans maintenant, y joue le rôle de ma mère dans le film. C’est une  œuvre importante... avec des acteurs tels  Gérard Blain ou Hélène Surgère. C’est très fort car c’est un plaidoyer contre la peine de mort …

R : Peux tu nous parler de ta carrière dans le musical à Broadway, à New York, comment tu as tracé ce parcours.

F : Après avoir dansé avec Zizi Jeanmaire à Bobino pour la première fois en 1978, j’ai joué Bernard, le copain du rôle principal dans « Les parapluies de Cherbourg » de Raymond  Gérôme avec Corinne Marchand. On a joué trois mois au Théâtre Montparnasse, mais malgré de très bonnes critiques, cela n’a pas du tout marché. Le directeur du Desert-Inn Hôtel qui était dans la salle, m’a vu et il m’a demandé d’auditionner à L’Alcazar, avec le chorégraphe Dick Price qui était à Paris. J’ai été pris pour jouer le rôle de Jean Marie Rivière, le présentateur, le créateur de L’Alcazar de Paris. Je suis parti à Las Végas au Desert-Inn Hôtel le 20 mars 1980 et je chantais entre autres de magnifiques standards comme «  For me, Formidable d’Aznavour, Copa Cabana » et je dansais aussi beaucoup dont le french cancan !...Depuis mes vingt ans, en fait, je jouais et je dansais dans des grands spectacles dont « La Cage aux Folles » en 1973 que j'ai jouée 3 ans et 3 mois  au Théâtre du Palais Royal dans le rôle de Salomé : je n'oublierai jamais la scène de la bulle de chewing gum avec Poiret et Serrault ... des partenaires uniques et généreux !… Je suis parti aux Etats Unis en 1980. J’étais alors un acteur très sérieux qui tous les jours s’entrainait mais cela ne se voit plus maintenant ! –il rit montrant son ventre-

R : As-tu eu un parrain ou une marraine ?

F : J’ai eu Madeleine Ozeray, laquelle a été la créatrice d’Ondine de Jean Giraudoux et on a beaucoup parlé du métier ensemble. Elle est devenue une amie très proche par la suite. Aux Etats Unis, j’ai aussi rencontré la très grande actrice  Géraldine Page qui a été  mon professeur. Je faisais alors deux revues au Café  Versailles tous les soirs entre 1983 et 1984. Elle m’a donné le conseil de ne pas hésiter à me présenter, me disant que j’étais prêt, que mon anglais était bon et que j’étais jeune . Je me souviens, j’ai fait mes premiers passages avec elle en présentant une poésie en français,« Demain dès l'Aube » de Victor Hugo, quand il parle assis  sur la tombe de sa fille qu’il adorait. Elle m’a dit après mon passage : « Lorsque tu joues , tu devrais te mettre à genoux, sentir les cailloux sur le sol. Cela aurait été bien que tu les prennes dans ta main. Recueilles toi. Prends le temps!». C’était l’Actor’s Studio, et j’avais trente ans en 1983. A l’époque, il était interdit de faire trois ans de conservatoire si tu jouais sur scène. C’était la règle. Donc, j’ai appris avec Béatrice Lord, Jean Laurent Cochet et Géraldine qui a été très marquante pour toute ma vie d’acteur. De ce  fait, j’aime jouer les rôles d’hommes solitaires comme dans « Audimat » :c’est un grand producteur qui a eu du succès mais qui n’existe plus sans cette célébrité. C’est une grande solitude pour moi.

R : Comment as-tu été choisi pour ce rôle?

Stéphane Druet m’a proposé de passer cette audition et même si jouer trente jours est frustrant, j’ai vraiment aimé ce rôle que j’aurais pu  jouer pendant des mois. Car dans ce métier, tous les jours, tu penses au rôle, tu l’agrémentes –ça aussi, je l’ai appris avec Géraldine- C’est ma méthode à moi d’approcher les rôles en les étudiant comme dans un laboratoire, alors j’essaye des trucs : parfois je suis très mauvais en répétition...  mais je me considère comme un vrai ouvrier, un artisan. De temps en temps, je m’éloigne des gens autour de moi, alors que je suis un grand bavard dans la vie. C’est pour trouver la « justesse ». Géraldine, notre professeur, nous avait dit qu’on aurait de temps en temps des problèmes de compréhension et de relation avec l’entourage, lié à ces étapes de travail nécessaire pour les rôles. Ce n’est pas que je rêve de l’Actor’s Studio mais cette méthode qu’elle nous enseignait sans être pesante a été très porteuse pour toute ma vie d’acteur. De plus, sa pédagogie était vraiment personnelle…Se tromper, c’est important et si nous ne sommes pas toujours compris car nous ne venons pas de la même école ou parce que nous n’avons pas le même niveau, ce n’est pas grave : il faut de tout pour faire un monde comme disait ma grand-mère !

R : Dans ce parcours, tu es passé par un grand Molière du Musical pour « Cats » ?

F : Oui. Je suis très fier de ce rôle. À New-York où j’étais au Café Versailles pendant un an et demi –lieu où avait débuté Edith Piaf, Liliane Montevecchi- je croisais souvent dans les rues  Tom Mickael Reed -l'assistant de Michael Bennett- qui m’aimait bien : je l’avais rencontré pour « Chorus Line »à Paris... mais je ne savais pas danser à vingt ans et j’ai commencé à apprendre  après cette audition, sur ses conseils, pour  me dégourdir et acquérir de la technique ! Il m'a convoqué plus tard pour Cats en remplacement à Broadway ... sans succès et c’est lui qui m’a donné les raisons de mon audition ratée ! Je suis revenu à Paris. J’ ai été pris dans « La Valise en Carton  » au Casino de Paris, mis en scène de Michel Roux avec Jean Pierre Cassel et Linda De Suza... Là, j’ai appris que « Cats » se montait en français à Paris... alors je me suis souvenu de tous ces conseils et ai enfin obtenu le rôle du Rocky Tam Tam ... spectacle qu'on a joué un an et trois mois !

R : Dis moi Frédéric, quel est le rôle qui t’a le plus marqué ?

F : Dans Audimat, ce qui m’a plu c’est ce côté qu’a le producteur de devoir cacher sa désespérance, de devoir toujours «  porter  beau et haut »…Je vais de plus en plus vers des rôles comme ça. Sinon, une fois, j’ai fait les « Rencontres de la Cartoucherie de Vincennes » avec une pièce de Marie de Beaumont « Métro » mise en scène par Olivier Schneider au Théâtre de la Tempête. C’est l’histoire de deux clodos sur une rame de métro avec plein de gens autour qui écoutent ce qu’ils se disent. Ce rôle de clochard m’a marqué et j’y pense encore énormément. Ou encore celui que j’ai obtenu dans la pièce « C. 3.3 », de Robert Badinter, portant sur les procès d’Oscar Wilde et  mis en scène par Jorge Lavelli au Théâtre de la Colline. J’y tenais plusieurs rôles dont celui, très prenant, de Richard Haldane, un ami d’Oscar Wilde qui est venu le voir en prison et lui a donné du papier pour qu’il réécrive, pour qu’il lise. C’est celui qui l’a fait sortir de prison.

R : Tu fais aussi beaucoup de doublage depuis des années ?

Oui, j’en fais très souvent : là avec France 3, je double la voix du commissaire  dans la série Siska. Cela me fait aussi beaucoup rire parfois …  Je viens de faire X men : Fred Dukes. Mes copains m’ont dit que ce rôle m’allait comme un gant : le gars fait cent quarante kilos, certes il a aussi les yeux bleus! Je  veux bien croire que j’ai grossi mais là faut pas exagérer !...Rire.

R : C’est aussi dans ta nature de toucher à tout ?

F : Oui! Tout me plait et je dis qu’il faut arrêter de cloisonner les choses !

R :Parle-nous de ton actualité ?

F : Je suis en lecture avec la troupe sur la pièce de théâtre : "Comment harponner le Requin" de Victor Haïm où je joue le requin avec Erwan Greignou qui est en ce moment aussi dans Mission Florimont mise en scène par Sébastien Azzopardi au Théâtre Tristan Bernard. J’ai aussi deux projets en cours  avec la grande actrice Dominique Blanchar dont cinq soirées- lectures sur l’œuvre de Marcel Proust : " A la recherche du temps perdu" avec Claude Aufaure , Frédérique Meininger, Annic Le Goff et Catherine Morin, sous la direction de Frank Bertrand. Ce dernier vient d’ailleurs de nous écrire une pièce à Dominique Blanchar et moi, qu'on espère jouer en 2010 . Pour finir, un  auteur de roman Serge Martina veut adapter son œuvre pour un film  en Afrique et il m’a choisi pour jouer « le gouverneur » et si tout va bien , je devrais jouer  le rôle d'Émile de Baecque  dans " South Pacific" à Chatham, New-York.

R : C’est ce qu’on appelle un riche programme en vue ! Merci Frédéric pour cet entretien.

Site: fr.wikipedia.org/wiki/Frédéric_Norbert

Propos recueillis par Safia Bouadan

Freddy VIAU

Freddy Viau est metteur en scène de la pièce «Les vivacités du capitaine Tic »d’Eugène Labiche, fait le 9 septembre au Théâtre de l’Essaion.

R : Bonjour Freddy Viau, tout d’abord : pourquoi avoir choisi cette pièce d’Eugène Labiche, « Les vivacités du capitaine Tic » écrite en 1861, montée en 1862 et quasiment plus revue depuis ?

F : L’initiative vient d’Axel de Ferran qui est un grand fan de Labiche dont il connait bien l’œuvre et la période du second empire en général.  Il connaissait cette pièce peu connue de Labiche mais aussi d’autres, telles que « L’avare en gants jaunes » qui se passe pendant un carnaval. Il a eu envie de me faire découvrir ces textes là de l’auteur…  Il m’a incité à monter l’une de ces pièces. On a hésité entre les deux mais « Les vivacités du capitaine Tic  » était plus facilement montable. Il avait beaucoup aimé un de mes spectacles d’où cette proposition…

R : Lequel ? « Dard Dard » ?

F : Absolument et c’est Dard Dard qui a créé notre rencontre. Il m’a demandé de lire ces textes  de Labiche et de lui donner mon avis, à savoir si c’était parce qu’elles étaient des pièces mineures qu’elles ne se montaient pas. Je les ai lues et j’ai trouvé qu’elles n’étaient pas en dessous de l’œuvre de Labiche.

R : Comment expliques-tu la disparition de ces œuvres  auprès du public, à cause des changements de mode ou de politique?

F : Oui. Les œuvres ont des carrières, elles sont presque comme des personnalités à elles seules .Celle ci a pourtant eu du succès à ses débuts sur les grands boulevards.

R : Dans quel théâtre ?

F : Je crois que c’était dans le Théâtre du Vaudeville où la plupart des pièces de Labiche étaient réalisées. En général, les pièces avaient une courte vie. Elles étaient montées pour soixante dix représentations. C’est pour ça que Labiche et Feydeau écrivaient  beaucoup car ils fournissaient très régulièrement les affiches de ces théâtres dont les pièces tenaient quand elles avaient du succès entre trois et quatre mois. Certaines pièces ont perduré avec le temps mais c’est assez mystérieux de savoir pourquoi elles sont amenées à disparaître. Peut être que le propos était moins adéquat les années suivantes.

R : Aviez-vous déjà mis en scène ou même joué des pièces de Labiche ?

F : En fait non. Ni joué .En revanche depuis un bout de temps, je souhaitais le faire. J’aime beaucoup Labiche en comparaison avec Feydeau, car je trouve que chez Labiche, il y a quelque chose de plus riche,   quelque chose de plus humain, les personnages me semblent plus attachants. Et c’est un peu le retour que l’on a des spectateurs qui  viennent voir ce spectacle, ils trouvent les personnages très attachants.

R : En dehors de la mécanique du rire ?

F : Tout à fait! Il y a une intrigue du rire très bien nouée chez Feydeau aussi, mais chez ce dernier, il me semble qu’il y a un peu moins la place pour dévoiler le côté humain des personnages. J’aime beaucoup ce côté chez Labiche, je pense à « L’affaire de la rue de Lourcine » où les personnages deviennent presque fous. C’est comme un tourbillon, avec un caractère très grinçant aussi.

R : Qui est lié à la société elle-même, celle dans laquelle ils s’inscrivent, dans laquelle ils sont coincés ?

F : Exactement.  Et Labiche excelle dans le rendu de cette société bourgeoise.

R  Ils sont plus tourmentés les personnages de Labiche, c’est cela ?

F : oui, voilà, c’est cela! Ils sont parfois plus tourmentés, je pense…

R : Vous avez essayé de respecter l’écriture de Labiche tout en étant inventif car dans cette pièce étonnamment, et c’est ce qui est rare dans les oeuvres de l’auteur, à l’origine, il n’existe pas d’intermèdes musicaux ?

F : Oui. Le compositeur du spectacle Nicolas de Ferran a aussi fait les musiques des chansons du spectacle et Axel de Ferran s’est permis d’écrire les textes de ces intermèdes musicaux, qui ajoutent de la légèreté à l’ensemble. Et ils sont très doués car on croirait vraiment des textes et des musiques de l’époque. C’est très ciselé et cela s’intègre parfaitement au spectacle.

R : Ce qui fait aussi la force du spectacle, c’est la complicité et la longévité de la compagnie Parciparlà avec laquelle vous avez mis en scène vos spectacles depuis la création de cette troupe qui remonte à près de dix ans maintenant ?

F : Oui presque dix ans en effet. La compagnie Parciparlà s’est créée en 2001 et elle est née de la rencontre entre sept comédiens .On s’étaient tous rencontrés lors de la présentation d’un spectacle jeune public et une osmose s’est faite au point que le programmateur nous a proposé d’en monter un ensemble.

R : C’était à Paris ?

F : Oui .C’était dans un petit lieu qui s’appelait l’Espace Château Landon où on a démarré en 2001. J’y ai mis en scène une adaptation du « Roman de Renart » qu’on ballade un peu partout et qui se joue encore .On en est à la neuf cent cinquantième et on le reprend à nouveau cette rentrée car la compagnie Parciparlà devient résidente  pour le spectacle jeune public au Théâtre Michel à partir du 19 septembre et tout au long de l’année. Nous y jouerons aussi en alternance « Alice au pays des merveilles », notre deuxième création avec la voix de Philippe Noiret et qui a aussi une très belle vie : on en est à la cinq cent cinquantième représentation. C’est la même distribution sur ces  deux spectacles. Travailler avec les mêmes comédiens est une contrainte de création très enrichissante, c’est très excitant d’emmener les acteurs dans des rôles différents, de fidéliser aussi un public qui est heureux de les retrouver et de les voir dans des emplois divers... Après ces deux spectacles Jeune Public, j’ai créé « Dard Dard, Comédie insecticide » qui était une pièce pour adultes cette fois, un peu folle et barrée, puisqu’elle se passait dans l’herbe et qu’elle mettait en scène des insectes avec des chansons et de la danse. On l’a présentée au Point Virgule, à l’Aktéon et au Ciné 13 Théâtre et on la reprendra peut être au printemps prochain car on a un plaisir fou à la jouer tous ensemble. Enfin, tout dernièrement en mars, « Les vivacités du capitaineTic » qui met en scène six des comédiens  de la compagnie.

R : Vous aviez fait dix dates ?

F : Oui mais c’était plus en showcase. L’Essaion a été intéressé donc on l’a reprise cette rentrée  dans cette jolie salle. On est content car elle a été créée spécialement pour ce lieu où les vieilles pierres et la salle voûtée donnent une véritable harmonie à la pièce. C’est un endroit qui a vraiment beaucoup de charme dans ce vieux Paris et puis qui colle avec cette atmosphère XIXè siècle.

R : Justement, parlons de la mise en scène en circus et de la scénographie, de ces enjeux dramatiques liés aux scènes de couloirs, aux ambiances sournoises et  mesquines régnant dans les salons et qui font par ce choix que vous avez fait que le spectateur a deux visions scéniques de la pièce de Labiche?

F : En fait, Nic de Ferran  est un scénographe avec lequel  je travaille depuis longtemps maintenant Quand on a lu ce texte, j’ai eu envie d’être surtout dans la fidélité au texte. Il fallait assumer ce que cela raconte : des portes  qui claquent et qui n’arrêtent pas de claquer comme toute cette époque là, celle de Feydeau et de Labiche. Mais en même temps, je ne voulais pas être embarqué avec l’éternel canapé, le salon bourgeois carré…Iil fallait trouver une idée, d’où celle du cercle au lieu d’un traditionnel espace au carré.Il y a souvent dans ces pièces, un mouvement circulaire, une sorte de tourbillon qui embarque les personnages  et qui n’arrête pas. Alors on a imaginé avec Nic de Ferran les entrées et sorties autour d’un panneau pour essayer de rendre ces quiproquos, où souvent quand un personnage rentre, l’autre sort, sans pratiquement se voir. J’ai eu aussi envie de montrer ce qui se passait derrière les murs, d’où cette idée du mur transparent et par le jeu des lumières, on a pu créer du suspens. Le fait de  voir arriver les personnages de loin par transparence crée l’impatience de se demander ce qui va se dérouler …

R : Il y a un jeu de lumière mais aussi un jeu d’ombres. On en parlait avec « L’Affaire de la rue de Lourcine » de Labiche, où les personnages sont plus sombres. Ici encore, on bascule petit à petit et tous les masques tombent à la fin : chacun plonge ainsi dans son trait le plus excessif et se dénonce de lui même: les hypocrites, les manipulateurs les passionnés et les innocents ?

F : Complètement, c’est vrai …Cette pièce là particulièrement puisqu’elle parle des vivacités d’un capitaine. Tout le propos de la pièce repose sur ce fait de savoir si ce personnage va réussir à contenir son caractère explosif : c’est un militaire qui revient de la guerre et donc qui a tué. On a essayé justement de travailler là-dessus. On a voulu créer le divertissement, la drôlerie tout en essayant d’avoir des personnages qui soient crédibles. Le capitaine de cavalerie est un officier qui revient du front et qui se pose beaucoup de questions sur le fait de se bagarrer, d’être sanguin, de s’emporter ou de se calmer. Le tourment est très présent dans la quête du personnage principal. La pièce repose beaucoup là-dessus donc : « Est ce qu’il va savoir se maîtriser ou pas enfin ? ».

R : C’est le thème central et il est aidé par son ordonnance, cet ami fidèle qui lui a sauvé la vie et qui est un homme d’honneur et de foi. Est ce que Labiche n’a pas voulu dénoncer cette contradiction liée au militarisme et à ses valeurs positives d’engagement et de courage et a contrario cette déshumanisation s’y rattachant ?

F : Oui, c’est assez attachant ce rapport entre les deux  personnages: rapport très hiérarchique de domination de la part du capitaine et en même temps comme il lui a sauvé la vie, on a une vraie relation de fraternité. R : C’est une belle leçon que l’on tire à la fin justement: lesquelles doivent l’emporter, les valeurs humaines ou celles sociales et bourgeoises ? Ce que dénonce aussi des auteurs tels que Labiche, c’est l’embourgeoisement et la condition des femmes aussi ?

F : Oui !

R : Dans cette pièce, la tante du capitaine n’a pas vu ce dernier depuis dix ans et elle se pose des questions sur lui ?

F : Oui. Mme de Guy Robert est une femme qui connait le caractère excessif d’Horace Tic et elle se demande ce qu’il est devenu. Dés la première scène, elle pose la question : est ce que la guerre l’a changé ou pas. Elle le démasque en fait très vite.

R : Oui, la tante veut savoir s’il est devenu un homme bien ?

F : Oui, s’il est devenu un homme de raison.

R : Sans être un statisticien, comme ce prétendant Célestin Magis. Et bien merci Freddy d’avoir répondu à ces questions. A ce propos, comment le public  reçoit-il cette œuvre méconnue ?

F : Les gens connaissent  bien le théâtre de Labiche et en même temps, on sent une vraie curiosité de leur part concernant cette pièce peu montée. Je pense que les gens trouvent que ce spectacle a beaucoup de charme, que c’est charmant et j’aime ce qualificatif. Les gens rient, sourient et passent une très bonne soirée. Mais je voulais aussi embarquer le public dans cette époque du 19é siècle pour son côté historique.

R : Oui, nous pouvons souligner son caractère éducatif qui pourrait beaucoup plaire aux scolaires ?

F : Tout à fait, je tenais d’ailleurs à ce que le spectacle soit monté en costumes d’époque, qui ont été réalisés sur mesure par Rick Dijkman et Katia Abros.

R : Donc « Les vivacités du capitaine Tic » est à l’affiche du 2 septembre au 31 octobre au théâtre de l’Essaion ?

F : Oui  et se reprend le 28 septembre ici aussi, « 24 heures de la vie d’une femme » adaptée de la nouvelle de Stefan Sweig, que j’ai mis en scène la saison dernière avec Laure Meurisse et Mona Lou. Les spectateurs peuvent découvrir aussi nos spectacles jeune public tous les mercredis et samedis à 14h30, « le Roman du Renart « et « Alice au pays des merveilles », avec la voix de Philippe Noiret,  dans ce beau théâtre de 350 places près de la Madeleine qu’est le théâtre Michel. Tous les renseignements sont sur notre site www.compagnieparciparla.com. Ainsi que ma prochaine mise en scène, un spectacle Jeune Public, Le Vilain Petit Canard, d’après le conte d’Andersen, que j’adapte, met en scène et joue avec James Groguelin à l’ESSAION à partir du 24 octobre prochain.

Propos recueillis par Safia Bouadan

Voir l'article sur "Les Vivacités"

Hervé LEWANDWSKI et Franck VINCENT

INTERVIEW  réalisé le 8 août 2009 au Restaurant « La Ferme » Paris Ier.

INTERVIEW CROISE DE Franck VINCENT  et d’Hervé LEWANDOWSKI réalisé le 8 août 2009 au Restaurant « La Ferme » Paris Ier.

R : Bonjour, Franck et Hervé.

Dites-moi comment vous en êtes venus au genre du Musical ?

F : Je suis comédien de formation. J’ai suivi des cours de théâtre. Ensuite je suis rentré au Club Med, pendant quatre ans ; à cette époque, c’était des revues. Je chantais un petit peu et en rentrant,  j’ai fait du théâtre et je me suis retrouvé dans une comédie musicale complètement par hasard avec Hervé pour  « La petite boutique des horreurs » que j’ai faite dans un premier temps et Hervé nous a rejoints sur une reprise.

On a fait sept spectacles ensemble tels que » La petite boutique des horreurs », « La Valse du Diable » « Tintin «, « Le violon sur le toit », « Chance » …Ensuite j’ai pris des cours de chant avec Yael Benzaquen.

H : J’ai commencé par la direction de chœur puis j’ai intégré une école pluridisciplinaire à Paris. Là, on m’a confié la direction de plusieurs petits projets d’ensemble musicaux...  C’est par Fabian Richard (avec qui j’étais en formation) que j’ai rencontré Franck autour du projet de «La valse du diable» de Philippe Loffredo et Jonathan Kerr.

R : Quel a été votre déclencheur dans ce métier du Musical ?

F : C’est vraiment le hasard car mon déclencheur, c’est le théâtre. Qu’il y ait quelqu’un sur scène qui chante ou non, ce n’est pas différent pour moi. Mes maîtres au théâtre n’ont rien à voir avec le Musical : c’est Lawrence Olivier puis Adjani dans « L’Ecole des femmes » avec Blier. J’ai trouvé ça incroyable.

J’allais au théâtre quand j’étais gamin, avec ma mère mais  pas spécialement pour des spectacles musicaux. Je me souviens d’avoir vu la création de Starmania et puis aussi la première version des Misérables en 81 au Palais des Sports. Je devais avoir...Oh la la ! J’étais jeune ! Quatorze ans ! Mais  je précise que mon premier contact avec le monde du musical, ce sont  plutôt les films avec Fred Astaire, Cyd Charisse, Ginger Rogers, Gene Kelly !

H : Sur scène, ce sont « Les Misérables » qui m’ont marqué. C’est un bon compromis de comédies musicales classiques avec un narratif assez moderne, entièrement chanté et qui rappelle l’opéra, au cinéma, c’est «Chantons sous la pluie»

F : Pour moi, le déclic c’est vraiment le cinéma musical américain : Cyd Charisse et Fred Astaire. « La belle de Moscou », ça  c’est un chef d’œuvre. Et puis il y a Cyd Charisse !

R : Les jambes de Cyd Charisse … ?

F : Oui les jambes de Cyd Charisse.

R : Très belle danseuse ?

F : Oui, sublime, dans tout ce qu’elle fait. Sinon, avec  «  Les Misérables », la première année en 81, j’avais vraiment des souvenirs légers car j’avais quatorze ans et je me souviens de la musique aussi

-Franck fredonne-

F : La version de Mogador aussi m’a plu mais ce n’est pas forcément l’histoire ou la musique qui m’ont bluffé, c’est surtout la scénographie ! C’était la première fois que je voyais ce système de plateau tournant.

R : Sinon, en tant qu’acteurs, quel est  le rôle qui vous a le plus touché ?

F : C’est bon, pour moi c’est fait !

Non, sérieusement, il n’y a pas photo c’est Tevye dans « Le violon sur le toit » ! No comment, ou alors on fait trois heures dessus !!

H : J’ai aimé jouer Brad dans le Rocky Horror Show, Seymour dans la «petite boutique des horreurs» ou encore Claude dans «Hair» . Je suis loin d‘ avoir tout abordé et le rôle marquant, je l’attends encore !

R : Justement, pour toi Franck, c’est Le Violon, et toi Hervé, quel profil dramatique tu voudrais jouer dans le futur ?

F : Ah mais moi aussi, il y a pleins de rôles encore que je voudrais jouer ! Je n’ai pas l’intention de m’arrêter au Violon !

H : J’aimerais bien jouer Tevye dans « Le Violon sur le toit » !

-rires-

H : Non, sérieusement,  j’ai un faible pour Mark Cohen dans «RENT».

F : Dans mon cas, ce serait le rôle dans le film « Victor Victoria »,  pas le fiancé de Julie Andrews, pas l’américain, le Dandy parisien …Et puis plein d’autres comme Richard III, mais ce n’est pas un Musical... Et tous les rôles qui se présenteront aussi. Au départ, ce n’était pas un rêve d’enfant pour moi de jouer Tevye .Je ne savais même pas que la chanson fameuse de Tevye venait d’un Musical ! Ivan Rebbroff, c’était le Père Noel quand j’étais gamin !

H : Non, le Père Noel, c’était Tino Rossi !

F : Oui, mais il chantait pleins de trucs connus dans ce genre, Ivan Rebbroff !

R : Actuellement, vous chantez tous les deux dans Chance que vous jouez depuis des années ensemble.  Êtes-vous arrivés en même temps sur Chance ?

H : Franck est arrivé un tout petit peu avant moi en mars 2004, je crois. Le spectacle existait depuis 2001 et on est arrivé pour la reprise au Lucernaire.

R : Vous avez joué des rôles différents tous les deux, notamment toi, Hervé ?

H : J’ai commencé par Etienne, puis j’ai fait le coursier et ensuite le patron comme ça pour dépanner… J’ai même fait Nina Fleurie dans «MEN IN CHANCE»!

F : J’ai fait le Boss, Etienne et Agnès pour m’amuser !

Dans Chance, on est engagé pour un rôle et on en est titulaire. Ensuite, cela arrive d’en faire d’autres en dépannage. Hervé joue Etienne, après pour les autres personnages, c’est pour rendre service. Moi c’est le Boss !

R : Chance, on en parle comme d’une comédie culte qui est dans la tradition pure des opérettes françaises, que pensez-vous de ces observations journalistiques?

F : Moi, je ne trouve pas que ce soit dans les traditions pures des opérettes car les opérettes mélangent des scènes, elles sont plus proches des comédies musicales à l’anglo-saxonne que Chance qui est intégralement chantée .Il n’y a pas de scène parlée dans Chance. Dans les opérettes, c’est d’abord du théâtre agrémenté de chansons. Pour moi, Chance est difficilement classable.

H : Je pense que Chance suit la tradition musicale, quand on dit que c’est dans la tradition de l’opérette : c’est un sujet assez léger traité en musique. C’est vraiment du théâtre chanté !

F : Ca reprend les codes, Mais c’est inclassable. C’est tellement décalé… C’est un Ovni et c’est pour ça que ça fonctionne.

D’abord, c’est bien écrit, bien construit et j’espère, bien joué …Donc, la qualité au bout d’un moment, ça paie, ça tient la route ! C’est aussi  parce qu’Hervé Devolder est quelqu’un d’une intégrité à toute épreuve et qu’il a une démarche parfaitement honnête et généreuse.

R : Oui .Il y a une générosité sur le plateau qui est là, tant dans le jeu que dans la mise en scène, la musique…

F : Oui, c’est un cadeau alors quand on offre un cadeau au public, il le prend !

R : Pour vous, quel rôle joue l’opérette française actuellement en France et en Europe? A t-elle disparu ?

F : Non. Mais elle n’est plus guère affectionnée que d’un public âgé.

H : Je connais très peu l’opérette qui a une image assez désuète, pas forcement justifiée . Mais j’ai l’impression que c’est en train de revenir …

F : Oui, c’est en train de revenir un petit peu mais sous une forme différente. J’en ai fait deux ! J’ai commencé à rencontrer des gens du milieu de l’opérette comme Pierre Sybil qui dirige le Festival d’Aix les Bains depuis vingt ans maintenant.

J’ai joué dans  « Méditerranée » et l’année dernière, « La vie parisienne ». Je trouve que ce sont des gens formidables mais les opérettes répondent à des codes très particuliers, elles pâtissent d’un manque de moyens certains. Pour monter par exemple « La vie parisienne »  qui est un des musts de l’opérette, cela a été écrit avec dix changements de décors, avec des chœurs, avec des ensembles, avec un orchestre et cela coûte trop cher aujourd’hui pour des œuvres qui ont vieilli malgré tout. Là pour ce spectacle, il y a dix sept décors !

On était plus de quarante sur scène ! Entre quarante et cinquante dont dix sept  à vingt en fosse .On les monte dans des décors qui sont des toiles peintes qui ne sont plus dans l’esprit de ceux d’aujourd’hui. C’est impossible à monter dans des décors minimalistes : il faut que cela soit une débauche de costumes et de décors sinon, cela ne fonctionne pas !

R : C’est ce que le public vient voir aussi, même dans les comédies musicales ?

F : Allez voir par exemple L’Opéra de Sarah : Jérôme Pradon est tout seul en scène, le décor est un mur de béton et il y a trois chaises. Cela repose sur autre chose, mais cela a été écrit comme ça. Alors que les opérettes ont été écrites et conçues pour le Châtelet, avec une machinerie gigantesque, des décors énormes…Et il n’y a plus tout ça aujourd’hui, on ne peut plus .L’opérette n’est plus adaptée aux contraintes économiques actuelles. Mais  elle peut se renouveler : Laurent Pelly monte des opérettes qui sont  subventionnées. Il y a des contrats derrière…

R : Mais Frou-Frou Les Bains a bien fonctionné avec une production qui n’était  pas aussi exceptionnelle, où on n’avait pas beaucoup de décors ?

H : Le succès de Frou Frou Les Bains jouait aussi sur la redécouverte du genre. C’est arrivé à un moment où les gens ne savaient plus ce que c’était que l’opérette.

F : Ou encore   celles d’Alain Willemetz ou de Maurice Yvain d’abord, parce qu’elles sont bien écrites et celle de Stéphane Druet qui a été nominée aux Molières pour « Ta Bouche » où les décors et les choristes sont moins nombreux .D’ailleurs, ces opérettes sont adaptées au cinéma, avec …

H : Avec Resnais.

F : C’est plus petit, mais les grands Lopez, ce n’est plus possible !

R : C’est un problème de production alors ?

F : Et de structure.

H : C’est un problème de diffusion et de communication avec le public aussi.

F : La seule opérette qui se soit montée à Paris, c’est «  Le Chanteur de Mexico » au théâtre du Châtelet.

H : Parce qu’il y avait des acteurs connus …

F : Clotilde Courau, Benguigui… Des bankables ! J’ai trouvé les décors sublimes mais je n’ai pas accroché particulièrement.

R : Actuellement, ce qu’on nomme la famille du Musical souffre d’un problème d’identité. On retrouve des grands spectacles de type variétés lyriques ou de variétés, conçus autour d’un livret avec  lequel on ne recherche pas forcément à mettre l’accent sur une structure solide, littéraire ou dramatique. On a aussi des comédies musicales lancées par le marché du disque, grâce à des titres phares ou des tubes. De l’autre côté, on a des Ovni comme Chance ou l’Opéra de Sarah…Que pensez vous de cela ?

H : C’est un faux problème! Que ce soit au Châtelet avec vingt cinq musiciens et des décors, au Palais des Sports avec une bande son, ou au Lucernaire avec un piano, c’est juste une branche différente : on ne peut pas comparer L’Opéra de Sarah «  avec « Mozart, L’opéra rock »! Chaque spectacle est unique dans son genre.

C’est d’ailleurs davantage un problème de fond que d’appellation.

F : Oui mais enfin l’opérette souffrait du même problème à son époque.

Offenbach a attendu la fin de sa vie pour écrire un opéra. Il a toujours  souffert d’être considéré comme un sous-compositeur, alors il a fait «  Les Contes d’Hoffman ». C’est inhérent à tout art d’être  métissé, on mélange la musique,  le théâtre et la danse. C’est comme un enfant métisse qui  va être rejeté par les blancs, mais aussi par les noirs.

R : Justement, parlons du terme le Musical, c’est un terme anglo-saxon, pas français ?

F : Pour moi, Musical, c’est l’abréviation du théâtre musical. C’est français.

R : On évoque aussi beaucoup le problème de formation et de culture.  Y a-t-il une disparition des formateurs et moins de culture de la part des formés ?

H : C’est avant tout une histoire de culture. On se rend compte que les jeunes artistes n’ont pas la culture du métier qu’ils veulent faire, et les formateurs ne sont pas forcement de bons professeurs...

F : Il y a de plus en plus de formateurs et ce n’est pas forcément une bonne chose. Quand j’ai commencé il n’existait pas d’écoles de comédies musicales, je n’en ai pas souvenance. Maintenant, c’est bien qu’il y en ait. J’ai l’impression qu’il y a de plus en plus d’écoles qui forment à la comédie musicale,  Les Trois Arts… On y apprend le chant, la danse, le théâtre mais pour moi on apprend surtout à chanter. Pour le théâtre, c’est survolé, c’est le grand perdant de l’histoire. C’est peut être parce que je viens du théâtre.

H : C’est la lacune, le point négatif que l’on retrouve, et quand on regarde les critiques, c’est au niveau du jeu que ça ne va pas.

F : Pour un jeune qui veut faire de la comédie musicale aujourd’hui, qui veut être sur scène, qu’il fasse  du théâtre pour commencer : s’il ne prend pas de vrais cours de théâtre, il va avoir une carence !

J’ai une amie  qui me dit qu’elle a pris des années de cours de chant. Je lui demande si elle prend des cours de théâtre alors, elle me répond : « Ah oui j’en ai pris pendant un an et c’est largement suffisant ! »

H : Parce qu’on met le chant en avant .La promotion se fait par le disque à la TV

R : On a aussi le problème de la qualité du livret et du metteur en scène.

F : Mais on a des librettistes, des metteurs en scène !

R : Bien sûr, mais ils ne sont pas forcément soutenus par une production, une structure de diffusion. IIs vont disparaître et réapparaître.

F : En France, les grosses productions de comédies musicales sont soutenues par des producteurs de disques, des maisons de disques. En Angleterre et Dieu sait que je n’aime pas mettre forcément en avant les anglo-saxons comme modèles, les producteurs de comédies musicales sont des producteurs de théâtre.

H : Qu’il y ait un disque ou pas !

F : En France, on produit de la musique, avec ou sans livret. Or, un spectacle, c’est d’abord une histoire, une pièce de théâtre avant d’être des chansons et de la musique.

R : Une « comédie » « musicale ».

F : Voilà !

R : Donc un bon livret avec des paroles adaptées à ce que cela raconte et avec une musique adéquate ?

F et H : Avec une musique adaptée à la dramaturgie ! A ce que ça raconte !

R : Un peu comme l’opéra dans un autre genre ?

F : C’est encore autre chose car les conventions sont différentes.

R : Les codes musicaux et vocaux sont différents ?

F : Oui ! Mais on parle aussi de livret, c’est vrai !

H : Tous se pensent auteur compositeur et  librettiste alors que sur certains spectacles, c’est juste paroles musique et ce n’est pas la même chose.

R : Comment voyez vous l’avenir du Musical en France ?

F : Je le vois plutôt positif rien qu’à voir à Avignon, il existe une vraie programmation du Musical.

R : Avec notamment Les Folies de Lucien de Dombrowski ?

F : Oui maintenant, il faut que les producteurs se disent qu’ils peuvent oser l’orchestre, de vraies histoires et qu’un spectacle ne repose pas forcément sur la vente d’un disque. Je donne l’exemple du Violon qui a marché auprès du public. Il faut savoir évoluer, comme le fait le  cinéma actuellement qui se reconvertit avec la 3D pour lutter contre le téléchargement.

R : Le cinéma a dépassé le problème de la télé, du magnétoscope, du DVD, du « pear to pear » ?

F : Oui il faut que le monde de la comédie musicale ose la même chose ! Qu’il ramène  les gens dans les salles avec un truc qu’on ne peut voir que là ! Avec l’orchestre, le live. Les producteurs doivent le comprendre car le public adore ça et ça ne coûte pas plus cher. Le plus dans une comédie musicale qui est spectacle  vivant, ce sont  les musiciens justement pas seulement les acteurs.

H : Tout ce qu’on entend, on le voit, c’est unique !

R : Oui pour « Chance », c’est le cas ?

F : Et ça n’a jamais autant fonctionné qu’avec le piano et la guitare même s’il n’y a plus tous les arrangements.

R : Mais cela peut coûter plus cher, non ? Quel est le compromis ?

F : Pas forcément, pas besoin d’avoir une grosse formation d’orchestre ! Dans le Roi Lion, il y a dix sept musiciens, c’est particulier car les instruments sont spécifiques.

R : Oui c’est de la world music.

F : Je pense que les producteurs d’aujourd’hui peuvent produire de gros spectacles dans des grandes salles parisiennes et le surcoût de l’orchestre ne sera pas énorme par rapport à tout le travail en studio. La plus value artistique et commerciale pour le public est d’avoir l’orchestre qui joue en live. Sur le Violon, sur l’affiche, c’est ce que Serge Tapierman a mis en premier. Vraiment, les gens aiment ça, avec la bande son, la magie n’opère pas.

H : Pour le Violon sur le toit, les gens ont redécouvert l’orchestre sur scène.

F : Pour ma part, j’ai un  faible pour l’orchestre en fosse alors que sur scène cela pose des problèmes acoustiques.

R : Que pensez-vous du micro-casque, de la pastille ?

F : Je pense que pour les grosses productions, cela est devenu nécessaire.

R : Comment faisait-on avant ?

F : On ne chantait pas pareil, les œuvres n’étaient pas écrites pareil.

H : La musique n’était pas sonorisée de la même manière.

R : Pensez-vous qu’il y a une disparition des voix ?

H : Je ne pense pas qu’il y ait une disparition des voix. C’est un problème plus technique ou d’acoustique, d’adaptation à la salle.

F : Il y a des voix magnifiques qui ne sont pas des grandes voix et puis ce ne sont pas les décibels qui font la qualité.

R : La sensibilité c’est ce que les gens viennent rechercher et ils veulent ressentir des émotions.

H : Les gens aiment qu’on leur raconte des histoires. Après que ça chante fort ou pas fort…

F : C’est l’interprétation …Voilà une différence importante entre l’opéra et la comédie musicale, les gens viennent écouter une qualité de voix et musicale qui doit être parfaite. Dans un Musical, si les acteurs l’ont en plus tant mieux ! C’est pour ça qu’en opéra on ne sonorise pas parce que la salle est faite pour cela. Encore qu’à l’opéra Bastille, il y a une reprise d’ambiance. Quand on va jouer dans le théâtre italien, on n’a pas besoin de micros…Mais avec un orchestre sur la scène, on en a besoin effectivement mais s’il avait été en fosse, on s’en serait passé.

R : Merci de toutes ces informations. Quel serait votre vœu en tant qu’artiste dans les vingt prochaines années ?

H : Commencer à voir des spectacles un peu plus audacieux car on est dans une phase économique où les grands spectacles coûtent très chers. Je rêverai de voir le Jerry Springer Opéra monté sur scène à Paris par exemple. C’est  audacieux dans le sens du propos : c’est un peu dur, un peu sérieux car on peut tout faire au théâtre donc dans le Musical aussi.

F : Mon vœu pour les vingt prochaines années va vers les producteurs de théâtre. Qu’ils produisent du Musical et non pas que la production reste entre les mains de producteurs de disque uniquement. Même si c’est un genre que je respecte Le Roi Soleil,  Cléopâtre, Mozart…J’attends que Stage crée du spectacle musical français, même s’ils font des belles adaptations anglaises en France. Stage va faire appel à des librettistes pour créer des œuvres dans les prochaines années.

R : Ils achètent des théâtres déjà.

F : Là c’est économique mais je crois que Stage a un agent chargé d’aller écouter les nouvelles créations .Il y a une curiosité .Ce n’est pas un rêve donc mais une attente.

R : Parlons de votre actualité pour finir.

F : Chance, tout d’abord jusqu’au 26 septembre puis une fois de plus, je vais jouer dans le même théâtre qu’Hervé, à Mogador, mais pas le même spectacle, car je jouerai  dans Cendrillon, le rôle du papa et du Chambellan du Prince, à partir du 24 octobre et jusqu’à fin janvier, sur une mise en scène d’Agnès Boury. Ce sera les mercredis et les week-ends et vacances scolaires.

H : Je reprends le Roi Lion dans le rôle de Timon jusqu’en mars. Je travaille également sur une adaptation et j’avance bien sur ce projet…

R : Merci beaucoup à tous les deux et je vous souhaite une belle route !

Propos recueillis par Safia Bouadan

www.chancelespectacle.com

Voir la critique du spectacle

QUINCE, Chiara Di BARI, Laurent BAN

Interview  croisée de Quince, Chiara Di Bari et Laurent Bàn -aussi traducteurs -, réalisée pour le spectacle musical Marlène D, fait et traduit le 8 juillet au 20è Théâtre .

Regarts : Bonjour Quince, bonjour  Chiara et Laurent !

Quince, Chiara et Laurent : Bonjour Safia !

R : Quince, depuis combien de temps, incarnes-tu la grande actrice Marlène D ?

Q : Huit ans

R : Comment est née l’idée d’incarner ce personnage mythique Marlène Dietrich ?

Q : Je suis arrivé à ce travail tout doucement car au début, je pensais à une femme. Mais après, j’ai pensé que grâce à l’ambigüité de Marlène, un homme pouvait l’incarner sur scène car elle avait plusieurs facettes .Cela pouvait justement donner une vision plus critique.

R : En effet, sur scène, on voit une sorte de schizophrénie entre l’acteur que tu es et qui joue Marlène D, et le conteur dont le personnage-un gigolo ?-  s’exprime à la fin ?

Q : Oui, en effet. Le personnage évoqué à la fin est en fait un admirateur qui la suit toute sa vie, car cet homme a eu la chance de la rencontrer un jour d’une façon très étrange.

R : Sur la scène, c’est comme un drame intime qui se joue entre mythe et vie, entre star system et solitude ?

Q : Je pense que tous les personnages mythiques qui sont des icones restent seuls à la fin de leur vie. Ils sont tous concentrés sur leur propre destin, leur propre mythe, sur le personnage qui se crée par exemple autour de Marlène. Dans les quinze dernières années de sa vie, elle a coupé toute relation avec ses amis et elle est restée toute seule chez elle.

R : Elle était malade, elle avait ses problèmes cardiovasculaires ?

L : Oui et surtout elle ne voulait qu’on la voie diminuée. Elle voulait qu’on la voie toujours jeune et dans l’esprit du mythe.

Q : Elle a voulu garder l’image de la jeunesse.

L : Elle a voulu couper sa vie réelle, humaine pour garder l’image du mythe.

R : Dans la première partie de ce spectacle, Marlène est vue avec toutes ses manies qui sont limite inhumaines vis à vis de tout son personnel, de la secrétaire… Est- ce un trait exagéré de la mise en scène ou est ce que c’est toi qui l’a vue ainsi à travers ce que tu connais de Marlène Dietrich ?

Q : Tout ce que je dis dans le spectacle est vrai : les trois salles de bains, le parcours fléché. Elle parlait vraiment comme cela avec les gens, comme une diva, mais aussi par nécessité, car ses jambes valaient plusieurs millions de dollars et elles étaient assurées. Du fait de son problème de santé, il ne fallait pas qu’il y ait un problème. Elle était en effet très capricieuse et elle ne voulait pas qu’on sache qu’elle était malade, qu’on connaisse ses problèmes de circulation.

L : Elle disait « Attention mes jambes valent très chères parce que je suis une star » …mais en fait, tout ça, c’était parce qu’elle souffrait.

R : Comment s’est fait le choix des tableaux, leur sélection à la fois esthétique et dramatique, ou celui de l’écriture et de la mise ne scène ?

Q : Je voulais vraiment que dés le début, on voit que c’était une femme et que ce soit vraiment Marlène. Je ne voulais pas faire d’allusion au fait que c’est un homme qui jouait le rôle. A partir du moment où Quince, le personnage apparaît, on comprend clairement que c’est un homme qui joue ce rôle.

R : Peux tu me parler de la rencontre avec ce milieu du théâtre et du music Hall ?

Q : J’ai fait l’Ecole Académique du Théâtre en Italie et j’ai joué des rôles classiques toujours mélangés avec le côté musical, toujours liés avec le théâtre et le chant.

R : As-tu été conseillé pour ce rôle de Marlène D, as-tu eu un maître, un professeur ?

Q : Non. J’avais un rapport très intime avec Marlène comme si elle était une personne de ma famille.

R : L’as-tu rencontrée de ton vivant ?

Q : Non-rires- Je ne l’ai jamais vue sur scène non plus.

R : Tu as vu tous ses films ?

Q : Oui, je suis un collectionneur de tout ce qui touche la vie de Marlène: les livres, les films, les autographes, les magazines.. .

R : Laurent, comment es tu rentré dans la vie de Marlène D ?

L : Je connaissais comme tout le monde certains films comme L’Ange Bleu, mais je ne connaissais pas le personnage, son parcours…Le fait qu’elle ait eu un tel impact sur le vingtième siècle. Tout le monde est lié à Marlène.

R : N’est ce pas parce qu’elle est liée à la guerre ?

L : Oui, elle a traversé les guerres. Elle a rencontré des artistes, des personnalités politiques ou des sportifs. Elle a croisé le destin de tout le monde du début du siècle dernier aux années 1990.

R : Elle est morte le 6 mai 1992 ?

L : Oui et du coup, j’ai découvert ce personnage à travers ce spectacle. Je suis curieux de nature et j’adore découvrir des choses comme ça .Et en fait, la raison pour laquelle je suis rentré dans ce projet est liée au fait que Chiara connaissait Quince en Italie. A une époque, j’avais joué en Italie pendant un an  « Il conte di Monte Cristo », une comédie musicale là bas. J’avais adapté ce spectacle pour l’Asie où j’avais des contacts. Je l’avais fait en langue française et c’est tombé à l’eau car il y a eu des problèmes entre le compositeur et l’auteur. Je me suis retrouvé avec une envie d’adapter des choses, d’écrire et du coup, je suis partie sur un autre projet : celui d’un film à mettre en scène, à mettre en version musicale. J’ai rencontré un problème de droit …Aussi, de fil en aiguille, on s’est mis à chercher de beaux spectacles à adapter car Chiara est italienne et cette histoire est intéressante. Au départ, on est parti tous les deux, sur l’adaptation de la nouvelle de Mark Twain, «  Le journal d’Adam et Eve ». En fait, Quince avait déjà fait une première adaptation de ces deux nouvelles « Le journal d’Adam » et « Le journal d’Eve ». Donc, on a travaillé là-dessus avec Chiara et on a commencé à écrire la version en français. Il se trouve que Le Lucernaire cherchait un spectacle mais je n’avais pas le temps de finaliser Le journal d’Adam et Eve. Je me demandais ce que je pourrais faire pour présenter un spectacle de suite. Chiara m’a dit alors que Quince avait ce spectacle Marlène D, en me proposant de le lire en version italienne. Je l’ai lu et j’ai trouvé cela vraiment émouvant et j’ai dit ok, banco, on y va. J’ai envoyé le DVD au Lucernaire et ils ont adoré. On a mis un mois pour le monter ne langue française. C’était la première création en France et c’est une chose que Quince voulait faire depuis longtemps !

R : Marlène D est donc ton premier travail d’adaptation en langue française ?

L : Oui

R : Comment as-tu procédé, comment as-tu eu cette connaissance linguistique ?

L : Déjà, j’ai travaillé avec Alfredo Arias en 2001 sur un spectacle qui s’appelait « Les peines de cœur d’une chatte française » qui a été joué aussi en Italie. Je suis parti deux ans en tournée en France et Italie et j’ai appris l’italien avec ce spectacle. J’ai connu Chiara et je suis reparti pendant un an pour travailler dans un milieu italien, avec des italiens et la langue est devenue familière pour moi. Donc Chiara m’a aidé pour la traduction littérale parce qu’il faut que tout soit traduit clairement et à partir de là, il a fallu l’adapter, car il faut apporter les valeurs de la culture de la langue dans laquelle tu vas traduire. Tout simplement, on rencontre le problème de la structure de phrase qui ne marche pas. Par exemple, en italien, on utilise beaucoup de superlatifs, beaucoup d’adjectifs qui sont accumulés pour dire une idée. En français, on a cette chance de pouvoir avoir des mots très précis pour exprimer une idée. Ce qui fait que l’impression qu’on a en italien à chaque fois quand ça parle, c’est que ça parle à toute vitesse. En une phrase, on peut réduire en simples mots. Pour Marlène D, il a fallu donc créer un langage moins riche, justement pour le réduire le plus directement aux idées car Quince, de plus, ne parlait pas un mot de français.

R : Comment s’est faite la troisième étape afin que Quince puisse exprimer cette pièce adaptée de l’italien en français ?

L : Il y a beaucoup de références à la France et c’est drôle car les deux versions sont différentes à ce niveau là. Il y a beaucoup de rapport à l’Italie dans la version italienne et vice versa, même dans les choix concernant les symboles...Je lui a i envoyé par MP3, le texte avec le guide de ma voix, pour qu’il se le mette en bouche. Cela a duré un mois, il s’est écouté tout ça. Je lui envoyais par bribes, chaque fois que j’écrivais un paragraphe, il l’apprenait par cœur pour avoir l’articulation. Ensuite, je suis parti à Rome pendant un mois pour le faire travailler tous les jours avec Chiara. C’était très difficile car il y a plein de choses qui sont très subtiles, surtout l’accent, chaque mot a un accent alors qu’en France, l’accent est sur la phrase. Son articulation va donner une idée précise. Alors que là bas, chaque mot a son importance et si tu fais ça en français, cela joue faux tout de suite.

R : Andrea Calvani est ton pianiste avais tu déjà travaillé avec lui avant ?

Q : Non, j’ai commencé avec lui pour Marlène .Pour lui, c’est Burt Baccara, en fait, il interprète son rôle dans l’histoire.

L : Burt qui est un auteur compositeur de l’époque qui depuis a fait beaucoup de standards et qui est un génie de composition en l’occurrence et d’interprétation.

R : Et pour le metteur en scène Riccardo Castagnari, comment s’est faite cette rencontre ?

Q : J’ai un secret à révéler après huit ans, je l’ai révélé à la télévision italienne.

L : En fait, Quince a beaucoup de succès en Italie et il n’avait jamais révélé ce secret jusqu’à il y a quelques mois.

R : Peux tu le révéler aujourd’hui ?

Q : Oui, car Riccardo Castagnari et Quince sont la même personne.

Quince est un intermédiaire entre Riccardo Castagnari et Marlène mais en fait, c’est un personnage que j’ai créé de toute pièce et qui est devenu un peu la star.

L : En Italie, les gens disent Quince joue Marlène. C’est devenu une autre icone. Là bas, il y a beaucoup d’évènements promotionnels qui se font autour de Quince, alors qu’en France, Quince est moins connu .Ce n’est pas Riccardo et Marlène mais Quince qui devient un centre d’attraction et ça c’est drôle.

R : Chiara, merci d’être revenue parmi nous .Peux tu nous dire comment s’est faite cette rencontre avec Quince ?

C : Cette rencontre a été très forte mais dés que je l’ai vu, j’ai senti quelque chose et pourtant on ne se connaissait pas ! Je l’ai connu car il faisait un spectacle avec une amie qui s’appelait « Le journal d’Adam et Eve ».

L : C’est drôle !

C : Là, c’était juste pour dire, j’ai senti quelque chose de personnel et d’émotionnel par rapport à lui comme personne. Si tu veux, oui, Le journal d’Adam et Eve est un spectacle que j’ai adoré et c’est la raison pour laquelle j’ai proposé à Laurent une version pour la France. J’ai connu l’homme et l’artiste et c’est quelqu’un qui m’a touché vraiment beaucoup. Donc, on a parlé du fait que  j’aimais Adam et Eve, et lui m’a dit qu’il avait un autre spectacle qui s’appelait Marlène D. Donc, je l’ai vu et cela m’a choquée, bouleversée…Je ne peux même pas expliquer car Marlène D était quelqu’un que je connaissais en tant que diva très importante de notre siècle mais je ne la connaissais pas vraiment à fond. Je connaissais quelques mélodies, L’Ange bleue… mais je ne connaissais pas vraiment le personnage. Et là, j’ai fait une super découverte !

R : On retrouve dans l’aspect esthétique de Marlène D, une dimension cinématographique beaucoup plus illustrée qu’au Lucernaire où j’avais découvert aussi ce spectacle.

Q : Oui. Pour Paris, j’avais transformé et c’était voulu de le faire d’une façon cinématographique et là après Paris, je l’ai retransformé pour le faire définitivement dans cette version, en lui donnant cette touche. Maintenant, je fais la version française même en Italie.

R : Le public est aussi en quelque sorte  ignorant, car il ne connait que ce que les médias veulent rapporter ou certaines œuvres de et sur Marlène Dietrich. En France qui plus est, il faut éduquer le public à cette expressivité forte de l’émotion qui transparait parfois dans le spectacle, ce qui n’est pas le cas pour l’Italie où les états d’âme se montrent et sont exprimés dans le jeu naturel au quotidien. Comment se crée alors l’histoire d’amour entre toi et le public, et que veux tu que le public retienne de Marlène D ?

Q : La phrase clé pour moi du spectacle est : « Je l’avais tant aimé que je finis par devenir elle ».Je crois que le public reste accroché au personnage de Marlène après le spectacle car justement, je l’aime tellement. J’ai cherché les épisodes qui pouvaient mettre plus en évidence son humanité, sa personnalité.

R : C’est un acte d’amour en somme ?

-rires-

L : Je rajoute en plus que Marlène D était très proche de la France. Il y a tout un épisode où elle parle de la Madeleine où elle voulait être enterrée. Elle avait beaucoup d’histoire d’amour en France qui était pour elle le lieu mythique où elle voulait vraiment vivre et mourir. Du coup pour Quince, c’est aussi une grande opportunité, un vrai plaisir et une chance de venir défendre Marlène D en France.

Q : En écrivant le spectacle, j’ai toujours pensé à Paris.

R : D’ailleurs tu l’évoques quand tu dis que Paris est la plus belle ville au monde et on entend un rire dans la salle à ce moment là ?

L et C : Oui

L : Car on ne sait pas si on veut brosser dans le sens du poil alors que c’est vraiment sincère !

C : Quince ne trouve pas qu’il y a des tabous par rapport aux autres pays où il a joué…

Q : Hier c’était la première, alors c’est normal, la réaction de surprise du public !

L : Ce qui est important aussi de souligner ici c’est que ce n’est pas un spectacle d’un homme travesti mais bien le spectacle d’un acteur qui interprète le rôle d’une femme dans une vraie composition dramatique, une vraie performance d’acteur. A aucun moment, le trait est exagéré au point qu’il pourrait faire penser à une caricature.

C : Cela reprend le concept de l’actor Queen, qui existait sous Shakespeare. L’homme interprétait le rôle de femme.

L : Elizabethain…En France, on a une vraie culture autour du travestissement avec Pigalle… Beaucoup d’artistes travestis sont donc connus. En Italie non.

C : En Italie, on n’a pas eu ce problème, cela n’existe pas beaucoup, donc il n’y a pas d’ambigüité, de rapprochement par rapport à ça.

R : Que veux tu que le public retienne du personnage de Marlène D? La star que notre génération n’a jamais connue, la femme engagée dans les conflits armés, l’amante ou la femme-pathos, souffrante et seule.

Q : Je voudrais qu’il se souvienne de tout. Chacun de nous est plusieurs choses et n’être nommé que pour une de ces choses est réducteur. J’aimerais qu’on se rappelle de Marlène avec sa fourrure blanche mais qu’avant de rentrer sur scène, c’était elle qui nettoyait le parterre de la scène.

R : Ce tableau où on te voit laver le sol avec la serpillère habillé en fourreau est- il vrai ou est-ce un épisode bouffon ?

Q : Non, elle le faisait ! C’est extraordinaire de la part de cette diva. Cette femme part à la guerre apparemment pour suivre Gabin, mais après, elle reste trois ans sur les fronts les plus dangereux car ce sont ceux où il y avait le plus de bombardements.

R : Et elle n’a pas eu l’Oscar, alors qu’elle est devenue une star mythique comme Maryline ou Greta Garbo.

Q : La seule nomination a été pour « Témoin à charge » de Billy Wilder car elle interprète un double rôle et il ne fallait pas le savoir, et en effet, on ne la reconnait pas du tout. Un documentaire sur le nazisme a gagné l’Oscar BlackFox où elle faisait le commentaire.

R : Nous allons parler maintenant de l’actualité de Marlène D, de ce qui est envisagé, une édition du livret adapté par exemple?

L : En fait, le Dvd de la pièce est déjà en vente édité par L’Harmattan et diffusé aussi au Lucernaire, pour le texte, je ne sais pas. Ensuite Quince repart en tournée en Italie, mais il a joué aussi Marlène D ’Amérique du Sud en version espagnole. Actuellement, on travaille avec Chiara sur le journal d’Adam et Eve : on a fait pas mal de lecture, on l’a fait à Lourdes et on envisage une lecture au foyer du Trianon en août.

R : Pouvez vous nous parler de l’histoire ?

L : Mark Twain avait un rapport particulier avec la religion, pas forcément dans le sens du poil –rires- La version faite par Quince en Italie était très « années trente » avec un chapeau haut de forme, ses partenaires étaient aussi habillés comme ça.

C : Oui, avec des robes de soirée et c’était accompagné par des musiques de Gershwin.

L : Dans notre version, nous sommes partis, non sur l’aspect littéral mais sur une version plus proche de nous, plus moderne. C’est à dire dans le cas de Quince, il se l’est appropriée pour lui et ses partenaires, alors que de notre côté, on a trouvé aussi des similitudes avec nous dans cette oeuvre Adam et Eve. J‘ai aussi rajouté des créations musicales en partie que j’ai faites, textes et musique. J’ai demandé à Hervé Devolder d’en faire une, à Stéphane Corbin d’en faire deux et à Didier Begon, quelques une aussi. C’est très frais, cela marche bien et c’est très positif, très drôle avec une pointe d’émotion.

C : En fait, on voit sur scène un homme et une femme : la première femme et le premier homme, avec leurs particularités, leurs différences et leurs complémentarités, qu’on retrouve dans notre vie de maintenant au 21è siècle.

R : En fait les rapports n’ont pas changé ?

L et C : Voilà !

Q : Dans ma version, Je joue Adam et Elisabetta De Palo joue Eve.

L : C’est complètement autre chose par rapport à Marlène, car il est très macho, très viril dans ce rôle là.

R : Oui, on ne le reconnait pas. En tout cas, bravo pour la transformation, la voix, le sensible, le féminin, en plus celui d’une star. C’est un pari très difficile à gagner d’incarner une star aussi belle et inaccessible que Marlène D quand on est l’homme que je vois là en face de moi.

-Rires-

R : Chiara , tu es aussi chanteuse et actrice, peux tu nous parler de tes prochains rôles ?

C : Je vais certainement jouer La petite Sirène la comédie musicale de Christian Schittelheim. Je vais rentrer en Italie pour reprendre pour 80 dates, la Strada de Fellini où je joue le rôle de Samantha, la fille du cirque. Plus un projet très bien parti avec Serge Tapiermann. Je vais certainement commencer à enregistrer mon album aussi. Laurent a écrit certaines chansons, texte et musique que j’aime beaucoup.

R : Dans quel style ?

C : Cela reste dans un style « Chiara »,-rires- en français, en italien ou en anglais mais je ne peux pas faire de rapprochement dans un genre ou un autre. J’ai un producteur qui s’est proposé de produire l’album et je te tiendrai au courant !-rires-

R : Merci à tous les trois, bravo ! Et Belle route à tous et à Marlène D !

L, C et Q : Merci !

Propos recueillis par Safia Bouadan

Voir Marlène D

ALEX PANDEV

Interview d’Alex Pandev  faite le 15 juillet à la Comédie de Paris.

Regarts : Bonsoir Alex et merci d’avoir accepté cette interview. J’ai envie de te demander en premier lieu, pourquoi ce titre « Le cri de la fourrure ? »

Alex : Cela m’embête de répondre à cette question car je dévoile forcément le sujet.

R : Tu as mis beaucoup de toi-même dans ce spectacle « Le cri de la fourrure» qui montre un  personnage en quête de bonheur, d’amour et de vérité. N’est- ce pas un peu autobiographique ?

A : Pas de  bol, Safia,-rires-…Je ne vais malheureusement pas  répondre  non plus à cette question : quand tu vas au restaurant, tu ne vas pas voir le chef dans les cuisines pour lui demander ce qu’il a mis dans le plat ? -rires-.  Cela reste  les ficelles de la magie de la préparation.

R : Pour cette comédie à un personnage, est ce que tu t’es servie de ton environnement, de tes expériences ?

A : On  se sert toujours de ce qui nous environne. Je me considère un peu comme une voleuse d’images avec un computer personnel  pour stoker  les infos sur mon disque dur ; quand tu es  observateur et attentif, la vie et les gens sont une source  d’inspiration  d’une richesse formidable

R : Peux-tu raconter ton parcours ? Je sais que tu as l’âme voyageuse, un peu téméraire, peux tu raconter cela avec tes mots ?

A : J’ai plutôt un parcours atypique : j’ai fait le conservatoire de Paris, après j’ai eu de très beaux rôles dans de grands théâtres subventionnés, où on me cantonnait toujours dans des rôles de tragédienne, parce que je suis  très brune avec une voix très grave. J’avais beau faire, les gens ne me voyaient pas autrement. Paris me semblait très petit, Paris me semblait très gris et très étroit d’esprit donc je suis partie. D’abord en Amérique du Sud,  à Buenos Aires… où je suis restée  un an et demi et où j’ai chanté, dansé…Après je suis revenue à Paris et j’ai continué à travailler et puis je suis repartie. A New York. Car décidemment Paris m’étouffait.

R : Tu y as fait l’Actor’s Studio, non ?

A : Oui entre autre. Et  des comédies musicales pendant 2 ans. C’est en revenant de New York,  en septembre 2001, que j’ai commencé véritablement à écrire.

R : Ton premier vrai succès de pièce et d’interprète c’est Happy Hanouka, au théâtre Michel mis en scène par Jean Luc Moreau, avec Maike Jansen.

A : Absolument. Ca a été un très gros succès et on a enchainé avec une très grosse tournée.Ca a été formidable.

R : Tu en parles comme une référence parce que c’était une aventure pour toi ?

A : C’était une aventure, mais c’était aussi une pièce qui me tenait particulièrement à cœur pour des raisons  familiales –petit rire-Comme je te le disais toute à l’heure, quand on écrit on se sert toujours  de tout : Il se trouve que je viens d’une famille qui est très excessive donc qui m’inspire !

R : C’est un peu comme une recréation, une récréation. C’est un peu comme une «  intimisation » généreuse alors ?

A : Si tu veux oui ! On peut dire ça comme ça, c’est très joli !

R : Dans les deux pièces « Happy Hanouka » et « Le cri de la fourrure », ce sont deux rôles où le personnage est en souffrance ? Est ce que ce sont ceux qui te touchent particulièrement…Là, on est quand même dans le tragique !

A :-rires-…Oui effectivement, on est tous en recherche d’amour, de reconnaissance quelque part. Les personnages râpeux et rock n roll me sied. Je n’aime pas les personnages qui sont consensuels. A partir de là, je préfère les personnages flamboyants avec des grosses fêlures.

R : Grâce à ton producteur Jean Pierre Bigard.

A : Qui est une merveille qui est le meilleur producteur du monde !

R : Oui .Grâce à lui, Le cri de la fourrure a pu arriver ici à la Comédie de Paris depuis le 2 juillet. Est ce que tu as déjà des retombées du public ? Comment perçoit-il ce spectacle un peu particulier ?

A : Je suis vraiment très, très émue par tous les papiers qui sortent. Ce sont des papiers qui sont absolument merveilleux et qui me réchauffent le cœur !   C’est formidable !

R : Tu en donnes, alors forcément tu en reçois de sa part?

A : Merci. C’est gentil !

R : Ton personnage est tragicomique en scène et il fait beaucoup penser à ceux de Pedro Almodovar, as-tu un lien avec lui, un lien de cœur ?

A : J’ai une très grande admiration pour ce mec là.

R : On retrouve d’ailleurs dans ton personnage : « Femmes au bord de la crise de nerfs », « Talons aiguilles »…Je dirai même, c’est un attachement particulier ?

A : Toi aussi tu observes !

R : Je sais que tu as pris Agathe Bergman comme metteur en scène? Peux-tu nous en parler ?

A : Agathe Bergman ’est une fille formidable, d’une grande intelligence. C’est l’œil et l’oreille idéaux  qui m’étaient nécessaires pour me canaliser.

R : Oui, c’est un travail d’orfèvre, car on sent que sur la scène, c’est de ta matière personnelle dont on parle et qu’il ne faut pas la déformer.

A : Agathe  possède cette délicatesse pour occuper cette fonction.

R : Et Ta marraine est l’actrice Sonia Vollereaux ?

A : C’est une personne  exquise qui a eu une belle  générosité de cœur à mon égard, et cela m’a fait un grand plaisir de lui offrir ce rôle.

R : Je tiens à souligner aussi l’esthétisme dans ce spectacle tel que la robe de Courrèges bien choisie et le design du décor. Comment s’est faite cette rencontre avec l’architecte designer Christophe Pillet ?

A : C’est une rencontre particulière organisée par l’un de mes amis qui lui a parlé du spectacle et Christophe a eu un coup de cœur. Il m’a dit : «  je n’ai jamais fait encore cela mais si tu veux je le fais »…Ce qui est formidable dans « Le cri de la fourrure », c’est que  je suis entourée de gens qui sont très talentueux et qui m’ont fait confiance. Comme Minino Garay pour la musique, qui est un immense musicien très connu. C’est merveilleux ! Ca c’est pour le back ground, mais aussi toute l’équipe de production qui est derrière moi est formidable. Ils me soutiennent tous beaucoup !

R : Peux tu nous parler de tes désirs d’artiste et de femme qui sont dans « Le cri de la fourrure » ou pas ?

A : Mon désir d’artiste, c’est de continuer...  de m’amuser, de devenir le plus possible indépendante des diktats et des moules imposés et d’être encore un peu … beaucoup, dans la lumière !!

R : Et ton désir de femme ?

A : C’est de continuer à aimer et à être aimée par l’homme dont je suis amoureuse.

R : Après ce spectacle très féroce, on a envie de jeter sa fourrure par la fenêtre ?

A : Laquelle ?

R : Il y a aussi cachée, la notion de l’animal dont on enlève la fourrure et qui crie ?

A : Au choix de chacun. J’ai lâché le bébé avec l’eau du bain !

R : Parmi tous ces messages et ces facettes, lequel parle le plus à tes yeux et que tu as envie que le public reçoive en premier?

A : …Le malheur n’appartient pas qu’aux moches et qu’aux pauvres ! Mais Ce qui est important, c’est de savoir que le Bonheur  peut être à la portée de tous.

R : Merci. J’aimerais connaître ton actualité ?

A : Je suis à La Comédie de Paris, jusqu’au mois d’octobre .Entretemps  je vais tourner un film d’Eric Le Roch au mois de septembre, une comédie complètement dingue : je suis ravie. et viens de terminer le tournage d’une nouvelle série pour la télévision : « Duo » qui devrait bientôt être diffusée.

R : Sur France 2.

A : Oui, mais je ne sais pas quand. Par ailleurs, j’ai fini l’écriture de  deux nouvelles comédies très  féroces qui j’espère seront produites bientôt.

R : Tu as des titres ?

A : Oui …Mais Je n’ai pas envie de les donner par…

R : Superstition ?

A : C’est ça !

R : On rencontre toujours dans la vie, des personnes qui sont un peu pour nous des maîtres, lesquelles sont encore vivantes ou non ? As-tu un maître ?

A : « Ni Dieu ni maître ».

R : Tu es ton propre maître  et ton propre Dieu ?

A : Mon propre maître oui.

R : Tu gouvernes ?

A : En tout cas, j’essaie  de garder le contrôle sur ma vie. Le plus possible.

R : Bravo pour ce spectacle  très courageux et généreux : c’est une comédie de femme,  d’être humain, certes décalée, féroce déjantée mais aussi très tendre ?

A : Parfaitement :   Tu as su voir les couleurs essentielles de mon spectacle.

R : Alors si je les ai vues, d’autres l’ont vu et le verront encore. Merci Alex et à  très vite !

A : Merci ! À très vite !

Propos recueillis par Safia Bouadan

Voir Article : Le cri de la fourrure

KOKIA

INTERVIEW DE KOKIA de passage à la Cigale le 12 juin 2009, traduit du japonais et de l’anglais.

1 / Bienvenue ! Kokia,  vous effectuez votre quatrième visite en France pour notre bonheur et vous êtes en tournée actuellement pour présenter votre nouvel album Balance, sorti chez Wasabi Records, lequel est très imprégné de culture ethnique dont celte ?. D’où vous vient cette passion pour les musiques du monde ?

Kokia : L’univers celtique n’est pas vraiment relié à cet album (ndt : l’album celtique est plutôt Fairy Dance), mais  ma passion,celle du chant et de la scène, me vient de la présence des fans qui m’attendent et souhaitent écouter ma musique. Je reçois tellement d’énergie de mes fans européens à chaque fois que je les vois !

2/ Vous êtes entourée sur la scène par une formation de musiciens japonais, pianiste claviériste, guitariste, contre bassiste ainsi que d’un percussionniste qui utilise aussi des instruments traditionnels ? Pouvez-vous nous  parler des origines musicales vos complices sur la scène, du choix notamment de ce style ethnique particulièrement riche et raffiné, très présents aussi dans tous vos albums,  de ces accents divers, issus à la fois des sonorités très orientalisés ou celtiques ?

Kokia : J’essaie de choisir des musiciens et des arrangements qui correspondent à mon univers musical avant de penser à un genre musical précis ou à un arrangement en particulier.

La conclusion est que j’en arrive à croire que les percussions s’accordent beaucoup plus à mon univers que la batterie qui donne un son trop fort pour accompagner mes chansons.

3/ Votre formation vocale est très complète et cela se ressent dans votre tour de chant très lyrique car vous avez été formée aussi comme chanteuse d’opéra ? Avez-vous déjà chanté dans ce cadre ou aimeriez vivre cette expérience et partager un tour de chant avec des chanteurs lyriques internationaux ?

Kokia : Eh bien… Mon style vocal ou ma méthode de chant n’est pas quelque chose que j’ai appris de quelqu’un, c’est quelque chose de naturel, et il change continuellement. Cependant, je peux dire que cette formation à l’Opéra est vraiment une force dans mon chant.

Je voudrais dire aussi que le travail sur les chants et les compositions n’est pas une chose à laquelle j’ai besoin de réfléchir, c’est plutôt comme si cela tombait de quelque part, ou survenait de quelque part, et je ne sais pas moi même pourquoi ni comment j’y arrive.

4/ Vos parents étaient-ils eux mêmes musiciens, vous ont-ils initiée à la musique ? Etaient-ils très inspirés aussi par les musiques du monde ? Avaient-ils la même recherche que vous, et vous l’auraient-ils alors transmise petite?

Kokia : Mes parents n’étaient pas musiciens. Mais il est vrai que j’ai eu plus d’opportunités de découvrir et d’apprécier la musique et les arts que la plupart des familles. Notre famille, en particulier mes grands parents, adoraient les spectacles.

5/ Vous avez créé un langage imaginaire, pouvez nous en dire plus, vous évoquez les symboliques des nombres, le pouvoir des ondes … Le public peut-il le déchiffrer ou cela fait il partie de votre  mystère ?

Kokia : Quand j’utilise les nombres ou mon propre alphabet, c’est plus un jeu avec les mots. Parfois, je l’inclus dans mes compositions comme un code secret compréhensible pour mon public, mais ce n’est pas forcément pour exprimer quelque chose en particulier, mais plutôt pour ne pas dire quelque chose de précis.

7/ Lors de votre concert à la Cigale, vous avez partagé la scène avec un groupe « Puckfair », une formation de chanteurs et de musiciens irlandais exceptionnels, avec lesquels vous avez d’ailleurs également partagé votre dernier album Fairy Dance, enregistré à Dublin en 2009? Qui sont-ils et comment se sont créées cette rencontre et cette alchimie entre vous?

Kokia : Oui Puckfair sont d’extraordinaires musiciens, nous avons enregistré l’album Fairy Dance ensemble, et c’était une magnifique rencontre !

8/ Nous sommes tous très curieux de vous poser cette question alors voici : pourquoi ce choix de chanter pieds nus ?

Kokia : La réponse est très simple : je chante mieux pieds nus. C’est plus facile de chanter.

Vous dire pourquoi… c’est comme marcher avec de très hauts talons : cela rend la marche plus difficile… Quand je suis debout avec mes deux pieds bien ancrés au sol, cela me permet de mieux chanter.

9/ Vous êtes très tournée vers les causes humanistes, ce que l’on perçoit dans vos textes et vos échanges avec le public : vous avez d’ailleurs donné le 11 septembre 2008, un concert de charité dans une chapelle New Yorkaise, en compagnie d’un choeur de gospel. Y a-t-il eu un enregistrement de cet évènement et où peut -on le trouver? Comptez-vous mener d’autres opérations caritatives de cette sorte par la suite ? Vous avez par ailleurs soutenu les athlètes japonais pour les Jeux Olympiques d’Athènes en 2004 avec cette chanson  que vous avez composée et interprétée : « Yume ga Chikara » - (Le rêve est une force !) Ne serait ce pas un peu aussi votre adage ?

Kokia : Ce n’est pas seulement l’existence des êtres humains, mais aussi l’existence de tous qui est un mystère éternel et universel à mon sens.

Je veux croire que tout a un sens dans ce monde. C’est le thème de beaucoup de mes chansons. Dans mon nouvel album « Infinity Balance » par exemple, il s’agit du thème des chansons "Sekaino owarini (at the end of the world)", and "life goes on".

L’album Christmas Gift a été distribué à New York à Noël 2008. Quelques un ont été distribués à des casernes de Pompiers, et dans certains musées, donc pas mal de gens doivent l’avoir reçus, mais ces Cds sont un présent du Père Noël, donc personne ne peut savoir vraiment… Je ne le sais pas moi-même (rire !) !

Je veux continuer ce genre d’activités caritatives, si il y a d’autres opportunités.

10/ Que signifie ces couples de mots Balance Kokia- infini-Akiko et Akiko- infini -Kokia ? Cherchent-ils à décrire cet équilibre et cette fusion entre l’infini et nous ?

Kokia : Comme vous le savez, mon vrai prénom est Akiko, et Kokia est mon nom de chanteuse. A mes débuts, il était assez difficile d’être Kokia, et parfois je n’arrivais pas à avoir un équilibre (ndt : Balance) entre Akiko et Kokia.

De nombreuses choses me sont arrivées depuis mes débuts, et je prend conscience petit à petit de ce que sont vraiment mes chansons, mais c’est très récent. Le concept de cet album est fondé sur l’acceptation que mon côté Akiko et mon côté Kokia sont deux facettes de moi-même, et de ne pas essayer de vouloir perfectionner Kokia tout le temps.

Mon sentiment est que lorsque Kokia et Akiko sont réunies, un pouvoir infini s’en dégage.

11/ Quels sont vos recherches esthétiques actuelles, souhaitez vous développer de nouvelles alliances musicales et humaines ?

Kokia : Il y a tellement de choses que j’aimerais faire. Je me demande par exemple si je ne pourrais pas vivre à l’étranger. J’aimerais essayer de vivre dans un environnement différent. J’y découvrirai certainement beaucoup de choses…

12/ Bravo encore pour cette généreuse et magnifique prestation à la Cigale. Merci beaucoup d’avoir pris la peine de répondre à cette interview, pouvez vous pour finir, nous parler de vos prochains concerts et de vos manifestations européennes ou mondiales ? A très bientôt Kokia…Arigatô !

Kokia : Je pense qu’il est important de continuer à faire des concerts en Europe, peut importe la taille de ceux ci. C’est aussi important que de chanter pour moi.

De même,  je pense que délivrer des messages est aussi important que de continuer à murmurer l’amour aux gens .

Venez s’il vous plait écouter les chansons de Kokia en concert et continuer à me soutenir.

Merci infiniment.

Propos recueillis par Safia Bouadan

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